CritiquArt

Déménagement

2008-09-04T13:29:00.007-04:00

Après vous avoir cassé les pieds avec mon incontrôlable hâte de m'envoler vers l'Europe, voilà, c'est fait. J'ai quitté mon bordel montréalais pour un autre bordel, cette fois-ci, lausannois. Je vais tenter de respecter mon statut de critiqueuse, avec une touche quelque peu bohème, je le souhaite. De ce fait, je mets un terme aux critiques qui prétendent que je m'y connaisse vraiment. Je vous ferai désormais part de mes aventures artistiques, sociales et autres d'un point de vue plus innocent, vulnérable, sans trop savoir. Vous trouverez ces témoignages ici.

Un brin de tranquillité dans la tempête

2008-08-27T11:30:00.005-04:00

Le travail a beaucoup pris de mon temps. Après trois semaines à finaliser les dernières tâches infographiques et à courir les derniers détails pour le grand Départ, j'ai laissé de côté l'écriture, faute d'absence d'événements culturels. Non pas qu'il ne se passait rien à Montréal au cours du mois d'août, mais plutôt que je n'ai pas vu grand chose. J'ai même eu à laisser tomber le spectacle de Jean Leloup le 29 août prochain. Jean et moi, ce sera pour une autre fois!

Que de tristesse également de ne pas assister au FFM (Festival des films du monde de Montréal) ni à la conférence du MAP (Mouvement art public)! Mais il faut savoir doser en cette dernière semaine, semaine de vacances (?!) où je dois toujours courir : rassembler les papiers importants, faire les boîtes, les valises, acheter les billets de train, les adapteurs, les bonnes chaussures et tout autre besoin qui saura compléter la liste avant de s'envoler. Sans oublier les aurevoirs avec ceux qui me sont les plus chers.

Plus que quelques jours...

Sous le psychédélisme de l'arc-en-ciel

2008-08-08T21:50:00.001-04:00

Après 3 ans d'absence à Montréal, le fameux groupe Radiohead était de retour pour une deuxième fois au Parc Jean-Drapeau le 6 août dernier. Malgré la pluie, les admirateurs de Thom York et sa bande ne se sont pas empêchés de planer sous les airs envoûtants du groupe britannique. Une expérience psychédélique qui place définitivement Radiohead parmi les plus influents depuis les années 90.

C'est sous un arc-en-ciel (sans tournure métaphorique) que l'artiste invité, Grizzly Bears, a lancé la soirée. Le mariage des arrangements vocaux et des mélodies plutôt douteux (surtout incohérent) du groupe a vite fait augmenter le taux d'impatience auprès de la foule quant à l'arrivée de Radiohead sur la scène.

Lors de son entrée sur scène, le quintette a totalement ébloui le public non seulement avec sa musique, mais avec des jeux de lumières époustouflants et un montage vidéo éclaté. Il s'agissait d'une mise en scène psychédélique qui rappelait celle de Pink Floyd.

Le son était d'une pureté émouvante. La mélodie des pièces résonnait comme si l'on écoutait l'album dans notre lecteur MP3. Le groupe a transporté les fans dans une autre réalité avec des chansons telles House of Cards, Bodysnatchers et Weirdfishes/Arpeggi, des morceaux issus de son plus récent album, In Rainbows. C'est toutefois avec Karma Police et Paranoid Android que la transe du public a atteint son apogée. Un moment inoubliable.

C'est à ma grande surprise que j'ai retrouvé sur scène un Thom Yorke rempli de simplicité et de générosité. L'artiste qui fait souvent preuve de prétention et de « je-m'en-foutisme » en entrevue télévisée ou journalistique a démontré une toute autre facette de sa personne.

Après plus de deux heures de spectacle, dont une heure de fine pluie, c'est sous une énergie planante que la foule s'est dirigée vers l'interminable chemin qui menait au métro, le temps de redescendre lentement d'un univers musical enchanteur.

À l'aube d'une nouvelle vie

2008-08-01T16:05:00.006-04:00

Dans un mois, jour pour jour, je m'envolerai vers un autre continent, pour une nouvelle réalité, pour une nouvelle vie...

De l'art à la rue

2008-07-22T14:31:00.008-04:00

Des cultivateurs déclarent faillite.
Des ressources naturelles s'effritent.
Des hommes s'enrichissent.
D'autres s'appauvrissent.
Des innoncents meurent à cause d'une guerre, pour une richesse économique éphémère.
Et au lieu de se mobiliser dans le but de réduire les effets nocifs de ce chaos, on blâme les militants qui tentent de faire leur petit bout de chemin, pour sensibiliser leur prochain.
Souvent, ces êtres optimistes, inoffensifs, créatifs, sont des artistes.

Inspiration :
Roadsworth: Crossing the Line

« Things happen when you take risks »
- Peter Gibson

Courir sa vie

2008-07-17T09:52:00.012-04:00

Le temps défile à vive allure. J'ai l'impression de ne pas saisir chaque dernier moment. Je cours les galeries, les spectacles, les festivals, les boutiques, les rues de Montréal. Je ne veux rien manquer. Ne rien regretter avant le grand Départ. En moins de deux mois, j'aurai parcouru presque le Québec en entier. De Montréal à Québec, passant par Sherbrooke, sans oublier St-Georges puis La Pocatière et enfin Matane. Ai-je peur de m'ennuyer? Je ne crois pas. Je veux seulement abuser des richesses que m'offrent mon patelin avant de tomber en amour avec un autre endroit, quelque part de l'autre côté de l'océan.

Au travail, je commence à me lasser. Je somnole sans arrêt. Pour repousser mes tâches, je parcours la Toile à la recherche de nouvelles découvertes artistiques. À la recherche de ce que j'aurai envie de faire de l'autre côté. À la recherche du cliché à saisir.

Je manque de temps. J'ai peur de m'arrêter. J'embrasse chaque instant. Je devrais tenter quelques fois de m'échapper, pour respirer, pour équilibrer mon quotidien.

J'ai besoin de poésie.

Épousseter le passé

2008-07-14T11:19:00.008-04:00

Métaphore poétique et agréable sur l'inutilité de faire revivre les événements du passé :
« Cette partie de notre vie posée sur une étagère. Nous y faisions un peu de poussière. »
Tiré de Je voudrais que quelqu'un m'attende quelque part

Ce genre de nostalgie ne mène nulle part.

Sex, drugs & rock 'n' roll à St-Éphrem-de-Beauce

2008-07-07T10:26:00.019-04:00

Ce sont les 27, 28 et 29 juin derniers que j'ai eu mon baptême du fameux festival québécois, Woodstock en Beauce. Tous les rituels étaient au rendez-vous : alcool à profusion, public carburant aux diverses substances illicites, toilettes chimiques saturées, boue, paix, amour et surtout, musique. Malgré la mauvaise température (nos tentes flottaient littéralement sur l'eau), cette première expérience n'aura pas été la dernière.

Étant donné sa location, Woodstock en Beauce est souvent associé à un rassemblement de Beaucerons barbares qui se débauchent sous les airs de groupes hommage ratés. Pour cette 14e édition, la programmation n'avait rien de lamentable. Des artistes notoires tels Bran Van 3000, Billy Talent, Gob et Pascale Picard Band ainsi que des formations émergentes telles Misteur Valaire, Chocolat et Gatineau ont su faire oublier au public la chaleur accablante des deux premiers jours et la violente pluie des derniers jours.

Semaine de travail oblige, je n'ai malheusement pas pu assister aux spectacles du mercredi et du jeudi. C'est toutefois avec une patience bien méritée que je me suis présentée à la prestation de Bran Van 3000 et celle de Billy Talent.

Malgré l'insatisfaction qu'a engendré le resultat de l'album Rosé, le retour de Bran Van sur scène ne s'est pas avéré aussi décevant. La troupe de James DiSalvio avait de l'énergie à revendre au public avec un répertoire des pièces les plus appréciées de ses trois opus.

Pour sa part, le groupe canadien Billy Talent a su littéralement déchaîner la foule. C'est avec un charisme et une humulité surprenante que Ben Kowalewicz a chanté les succès de son groupe tout en développant une relation particulière avec le public. Il a notamment gagné le respect de plusieurs au moment où il est descendu de la scène pour emprunter le chandail des Nordiques à un fan, pour ensuite l'arborer dans l'interprétation des dernières chansons.

Outre le retour de Bran Van 3000 et la performance enflammée de Billy Talent, c'est la prestation du groupe montréalais The Stills qui suscitait davantage mon intéret. J'étais excitée à l'idée d'entendre les pièces de l'excellent Without Feathers ainsi que celles du nouvel album qui sera en vente le 19 août prochain. Quelle déception toutefois! Non seulement il y avait à peine 50 personnes (lesquelles n'avaient aucune idée de qui était le groupe) sous la tente où The Stills donnait son spectacle, mais le son était beaucoup trop fort et le répertoire musical avait mal été sélectionné. Le groupe a joué deux chansons de Without Feathers et celles du nouvel opus ne sonnaient pas à leur avantage. C'est la tête baissée que j'ai quitté le chapiteau pour ensuite assister à une prestation hommage de Cat Stevens. J'ai malgré tout retrouvé le sourire sous la pluie, transportée par les douces mélodies de cet homme qui avait non seulement la même voix que Stevens, mais dont le physique lui ressemblait étrangement. Moment cliché référant à Woodstock '69.

Nouveau coup de coeur musical des Québécois cette année, Pascale Picard était l'artiste vedette du samedi soir. Même si je ne suis pas une grande admiratrice, j'étais curieuse de voir ce qu'elle avait à offrir sur la scène. Sa performance s'est finalement avérée des plus décousues. L'artiste, sous l'influence abusive de l'alcool, était non seulement incohérente dans ses propos, mais dans sa musique. Elle a notamment interrompu une pièce pour présenter son groupe, et ce, sans reprendre cette même chanson par la suite.

Mis à part la musique, il était impressionnant de voir toute cette masse de gens littéralement « défoncée » 24 heures sur 24, pendant quatre jours. La superficie du site semblait aussi sans fin avec tous ses hectares de tentes multicolores qui se multipliaient sans cesse. Ce sera probablement un rendez-vous l'été prochain. Cette fois-ci avec plus de renfort contre les intempéries pour enfin profiter davantage de toute cette déchéance musicale et festive.

24 chandelles

2008-07-02T09:48:00.005-04:00

Je déteste vieillir d'un an. Cette journée me rappelle sans cesse à quel point la vie défile trop vite et le fait que je n'accomplis pas tout ce que je souhaiterais dans le temps donné. Je sais toutefois en profiter ;).

Bilan du mois

2008-06-30T10:08:00.026-04:00

Après un mois à courir les événements tous les weekends sans prendre le temps d'écrire, voici une brève récapitulation de la projection visuelle et des prestations musicales qui ont marqué mes derniers 30 jours.

The Raconteurs
Tout d'abord, le spectacle tant attendu non seulement de l'été, mais de l'année : The Raconteurs. Leur dernier passage à Montréal à l'automne 2006 avait été mémorable et je ne croyais pas que cette deuxième fois pouvais l'être davantage. Baptisé comme étant le meilleur groupe live par nul autre que Bob Dylan, titre secondé par les magazines musicaux spécialisés, Jack White et ses quatre acolytes ont fait non seulement vibrer nos tympans, mais notre épiderme. Notons particulièrement la performance de Blue Veins, pièce que le groupe a joué sur plus d'une dizaine de minutes avec une introduction instrumentale qui renvoyait à la signature musicale de Pink Floyd. Cette prestation a été sans aucun doute la meilleure de tout ce que j'ai pu voir jusqu'à aujourd'hui. Wake Up d'Arcade Fire passe désormais au second rang.

Égal à lui-même, Jack White, munie de sa guitare, était toujours aussi glorieux. Sa guitare acoustique, laquelle expulse un son à la fois perçant et pur, rendait à merveille la tonalité folk dont The Raconteurs sait si bien manipuler.

Karkwatson

Le deuxième weekend fut marqué par le spectacle inédit de Karkwatson. Concept initié à la base par Jim Corcoran, il était magnifique de voir les cinq musiciens de Karkwa, Patrick Watson ainsi que ses trois complices alterner leurs pièces respectives en créant une atmosphère tout à fait mélodieuse. Les jeux de lumières accentuaient davantage l'univers planant provoqué par les chansons. Le compteur, pièce tirée du nouvel album de Karkwa sur laquelle Patrick Watson apporte sa collaboration, était d'un rythme renversant.

Ce qui fut le plus touchant était de voir ces deux groupes se lancer la balle, dans les deux langues (anglais et français), une semaine avant la St-Jean-Baptiste. Pour quelques heures seulement, sous la chaleur écrasante du National, on pouvait assister à un spectacle qui réunissait deux richesses musicales québécoises où la langue n'était plus un conlfit politique, mais bien un art culturel.

Enfin, la chimie de Karkwatson fut à son apogée lors de la prestation accoustique de Man Under the Sea alors que Patrick Watson et Louis-Jean Cormier se sont placés sur un petit monticule au milieu du public, que les sept autres musiciens étaient sur la scène et que la foule accompagnait a cappella Watson et Cormier. Une seule déception : l'absence de The Great Escape dans le répertoire de la soirée.

Vier Minuten
Oeuvre acclamée dans plusieurs festivals de films européens, Vier Minuten de Chris Kraus est un long-métrage émouvant que j'attendais depuis le printemps dernier. L'histoire de cette jeune criminelle allemande au talent de pianiste incomparable est à la fois crue et touchante. Le parallèle entre la réalité persécutrice de Jenny (Hannah Herzsprung) et l'univers gracieux de la musique classique crée une poésie dans le schéma narratif du film. La dynamique entre la pianiste et son professeur (Monica Bleibtreu), un échange constant de haine et d'amour, relève d'une tension sexuelle refoulée. Les deux performances s'avèrent visiblement mémorables, notamment dans la scène finale alors que la jeune pianiste donne une performance devant public; une scène renversante où la protagoniste s'emporte dans sa musique jusqu'à exploiter littéralement le mécanisme de son instrument.

La spiritualité artistique

2008-06-16T14:08:00.007-04:00

Le célèbre cinéaste américain David Lynch a publié il y a un peu plus d'un an Catching the big fish, un essai sur son processus créatif, un processus basé principalement sur la méditation.

Je ne ferai pas de critique, puisqu'il s'agit d'un livre plutôt délicat à commenter. Toutefois, je me permettrai de dire qu'il s'agit d'un ouvrage essentiel pour ceux qui ont non seulement besoin de se recentrer spirituellement, mais surtout pour ceux qui ont besoin de raviver leur créativité.

Voici quelques citations qui m'ont particulièrement inspiré :
« The world is as you are »
« True happiness lies within »
« Intuition is seeing the solution - seeing it, knowing it. It's emotion and intellect going together »
« If you do what you believe in and have a failure, that's one thing: you can still live with yourself. But if you don't, it's like dying twice. »
« But sunlight, for instance, doesn't get rid of negativity. It gets rid of dakness, but not negativity. Don't fight the darkness. Turn on the light and the darkness goes. Turn up that light of pure consciousness: Negativity goes. »

Conte de fée à New York

2008-06-10T20:12:00.006-04:00

Comme la plupart des (trop) enthousiastes adeptes de la télésérie, c'est avec une hâte incontrôlable que je me suis rendue à la projection du très attendu Sex and the City. Après avoir visionné quelques teasers et les deux bande-annonces, je me suis trouvée décue par ce long-métrage à la sauce hollywoodienne dont le scénario ne reflète pas la structure narrative à la fois crue et sarcastique de la télésérie.

La fébrilité se faisait déjà sentir à l'achat des billets. Au moment où les lumières se sont éteintes dans la salle, les admiratrices (dont moi-même) ont frolé les applaudissements tellement elles étaient excitées. Pour ma part, ce fut de courte durée, le temps de voir les premières scènes alors que la fameuse narration du personnage de Sarah Jessica Parker, Carrie, dresse un bref portrait de ses trois acolytes. Il s'agit d'une introduction complètement inutile : nous avons suivi les torrides aventures de ces quatre mousquetaires pendant plus de six ans!

De ce fait, Sex and the City n'a pas été réalisé pour les amateurs de la télésérie, mais bien pour le grand public. Plusieurs scènes sont non seulement issues d'un kitsch ennuyant, mais elles sont longuement prévisibles. Aussi, même si les quatre dames ont toujours porté d'extravagantes tenues vestimentaires, une réfence en ce qui concerne l'avant-garde de la mode, elles se trouvent complètement démesurées dans le film. Enfin, Sex and the City comporte des longueurs. L'avènement d'un nouveau personnage de Louise (Jennifer Hudson), l'assistante de Carrie, n'était pas nécessaire. Pourquoi cette attention particulière sur un nouveau protagoniste alors que le scénario met de côté le coloré personnage de Stanford (Willie Garson), très bon ami de Carrie et personnage très présent dans la série?

Malgré tout, le personnage de Samantha (Kim Cattrall) réussit toujours à nous divertir. Ses expressions manifestement crues ainsi que sa nonchalance nous surprennent à tous coups. Que de tristesse toutefois de ne pas la voir aussi « out there » que dans les émissions. Cette retenue est définitivement le résultat de la stabilité qu'incite la quarantaine. C'est probablement pour cette raison qu'on y parle moins de sexe et plus du bonheur trouvé auprès du prince charmant. Heureusement, même si les quatres protagonistes évoluent vers la stabilité, elles sont loin d'être ennuyantes.

Sex and the City va certainement plaire aux gens qui ne connaissent pas la télésérie. Malgré le fait que je n'ai pu retrouver le même enthousiasme que celui provoqué par les émission, revoir le fameux quatuor Carrie, Samantha, Miranda (Cynthia Nixon) et Charlotte (Kristin Davis) s'est avéré une expérience tout à fait Fabulous!

Montréal à la mode

2008-06-06T09:21:00.020-04:00

Dans le cadre de la 8e édition du Festival mode & design de Montréal, je me suis rendue au défilé de E.R.A. Vintage Wear, une ligne qui redonne une touche avant-gardiste à des morceaux purement rétro. J'ai eu quelques coups de cœur, sans toutefois tomber en amour. Le public semblait apprécier, particulièrement lorsque la porte-parole de l'événement, Geneviève Borne, défilait avec assurance, mais surtout amusée par l'émoi qu'elle provoquait auprès de la foule.

Après un peu moins de vingt minutes, la passerelle s'est éteinte. L'amie branchée et moi avons ensuite enchaîné sur cette vague vintage qui nous séduit tant et qui est désormais grandement influente grâce, non pas aux designers américains, tels Marc Jacobs, mais bien à ces blogueuses françaises qui ont une créativité particulièrement surprenante, mais surtout coquette pour les agencements dits « rétro ».

C'est alors qu'une journaliste de La Presse interrompt notre conversation afin qu'on lui témoigne davantage notre « expérience » avec le Festival, et surtout, avec l'art textile vintage. À la suite de cette conversation qui, ma foi, prenait beaucoup d'ampleur et devenait quelque peu intimidante (nous aimons, nous en sommes passionnées, mais nous ne sommes pas des spécialistes), l'amie branchée et moi nous sommes déplacées vers la scène principale sur laquelle défilaient quelques morceaux des lignes majeures torontoises.

Pour la saison Automne/Hiver, rien de surprenant : la robe longue et le jumper sont à l'honneur. Une touche de classisme et d'élégance. Pour la saison Printemps/Été, le style bohème est toujours en vedette. La tunique ample ornée de pierres massive donne à la fois un look léger et funky, et ce, tout en confort. Mon principal coup de cœur : House of Spy.

Mis à part les touristes (principalement masculin) désagréables qui étaient présents que pour la silhouette des mannequins, le Festival mode & design de Montréal est un événement grandement apprécié par le public étant donné son accessibilité. Les défilés sont trop souvent réservés à une élite particulière. Avec un événement du genre, on souligne pour quelques jours le talent du plus grand designer contemporain : la rue. Ce sera un autre rendez-vous ce soir.

« La mode ne s'affiche pas, elle défile ».

La vie en rose

2008-05-30T13:11:00.010-04:00

Marie Darrieussecq est reconnue pour ses histoires perturbantes. Truismes n'y fait pas exception. Le roman zoologique aux tendances fantastiques représente une littérature troublante derrière laquelle se cache une métaphore sociale importante.

Une jeune femme qui possède un physique éblouissant vit le parfait bonheur : elle est la compagne d'un bel homme aisé et respectueux, elle travaille dans une parfumerie où elle connaît un succès phénoménal, elle est enviée par ses amies et collègues et la gente masculine la convoite avec excès. Ce conte de fée prend graduellement fin alors que, après avoir offert ses services à un marabout africain, elle se trouve à gagner démesurément du poids, pour enfin voir son corps se transformer étrangement sous l'apparence d'une truie. Au cours de cette métamorphose, la narratrice traversera une période de dégradation qui la mènera peu à peu à l'abattoir.

Il est intéressant de voir à quel point l'auteure maîtrise bien son personnage principal. Par le biais de la naïveté et du caractère inculte de la jeune femme, Darrieussecq adopte un style d'écriture rudimentaire. Ainsi, le lecteur ressent davantage les états d'âme de la narratrice.

L'aspect zoologique dans le roman est inquiétant. Il déstabilise le lecteur par l'étrange psychose que développe graduellement le protagoniste. Se présentant d'abord comme une beauté resplendissante et raffinée, puis comme un « être » flasque, lâche et pathétique, la narratrice amène le lecteur à réfléchir sur la bestialité du genre humain, une bestialité au sens d'insolence envers autrui.

Ainsi, avec sa nouvelle apparence physique, la jeune femme se fait maltraiter par l'homme à un point tel qu'elle préfère se vautrer dans les égouts et fourniquer avec d'autres de ses « semblables » dans les bois.

Darrieussecq aurait-elle une vision trop brutale de la société? Sa critique fait malgré tout réfléchir sur l'indifférence qui nous habite, une indifférence qui est telle qu'une qualité de vie à la porcherie.

Montréal (cette ville)

2008-05-29T15:41:00.007-04:00

Après la plus intense des sessions universitaires, voilà que j'ai finalement quitté la paisible et agréable municipalité de Sherbrooke pour la très bruyante et agitée métropole. Dire qu'il y a à peine 3 ans, je vivais une crise presque dépressive à la suite d'une rupture avec Montréal. Aujourd'hui, je me questionne à savoir si je ne vais pas éventuellement réadopter Sherby City.

Même si je laisse quelque peu derrière de riches moments avec des gens pour lesquels j'ai le plus d'affection, avec lesquels j'ai manifestement grandi, il va sans dire que c'est avec le sourire aux lèvres que je repars à la découverte des richesses que nous offre cette magnifique ville.

Que de plaisir de savourer un verre sur une nouvelle terrasse, de s'arrêter dans une galerie alors qu'on ne faisait que ses courses, de rêvasser en allant au marché, d'écouter plusieurs groupes émergents lors d'un festival, de voir des films autres que ceux d'un top 10, et ce, dans sa version originale, de faire les boutiques à la recherche d'un morceau unique qui saura mettre en valeur notre personnalité, de dévorer un livre sur les quais du Vieux-Port, de ne pas toujours sortir dans le même bar et de danser au milieu d'un dimanche après-midi sur l'Île-Ste-Hélene.

Montréal, ce n'est pas juste de la pollution et une population frustrée.

Malgré tout, je me sens parfois lassée. J'appréhende toujours ce moment où je quitterai ce continent pour me rendre de l'autre côté de l'océan. Plus que quelques mois...

Ain't born typical

2008-05-05T21:13:00.032-04:00

C'était le 4 mai dernier que le duo britannique The Kills se donnait sur la scène montréalaise, soit au Cabaret Juste pour Rire. Avant même leur entrée sur la scène, le doute s'était installé auprès de tous : les guitaristes Alison Mosshart et Jamie Hince allaient-ils assurer la sonorité de leur répertoire? Il va sans dire que The Kills a clairement prouvé qu'il avait une hardiesse musicale comparable à celle des White Stripes.

En effet, étant donné que le duo réunit le genre féminin et le genre masculin, il est souvent associé au couple White. Ce serait toutefois une grave erreur de comparer The Kills à ce dernier. J'irais jusqu'à dire que Mosshart et Hince assurait davantage que le groupe rouge et blanc lors de leur dernier passage au Centre Bell l'été dernier. La superficie de la salle du Cabaret y était probablement pour beaucoup, mais, malgré tout, le public s'est trouvé abasourdi devant la confiante manipulation des cordes de la part de Hince et de l'énergie déchainée de Mosshart.

En qui concernait ce public, il était à se demander s'il n'était pas la simplement pour poser plutôt que pour la musique du groupe. Arborant pour la plupart les fameuses lunettes RayBan à la Warhol, la coupe de cheveux à la fois ébouriffée et calculée, bref, le look typique de la culture trash londonnienne, l'assistance ne dérangeait pas physiquement, mais semblait présente pour accessoiriser style et musique plutôt que passion et musique.

C'est au moment où le groupe a introduit No Wow que Hince a impressionné le public avec son talent de guitariste. Il serait exagéré de dire qu'il révolutionne le son à un certain niveau. Toutefois, il joue de son instrument comme s'il masturbait une femme. La sexualité ne s'est pas fait discrète sur la scène. Le duo possède une chimie à la fois naturelle et osée. Leur prestation de la très intime Tape Song donnait des frissons provocateurs : Hince et Mosshart chantaient la pièce à l'aide du même micro, les lèvres les unes contre les autres.

Malgré ces performances mémorables, dont la merveilleuse trash/garage Where New York Used to Be, le spectacle fut non seulement très court, mais le répertoire musical a mal été sélectionné. Ainsi, The Kills a donné une importance équivalente à ses trois albums au lieu de jouer davantage les pièces de son excellent (et plus récent) opus Midnight Boom.

Comme ils le mentionnent si bien dans la chanson U.R.A. Fever, ils ne sont pas nés typiques ces deux musiciens au nom de tueurs.

Pensée du jour

2008-04-17T10:38:00.010-04:00

La fin de session semble interminable. Tous les symptômes sont présents : angoisse, tristesse, nausée, toux, impatience, fatigue, perte d'appétit. Dans le but de trouver l'inspiration parmi tous ces maux, j'ai affiché cette pensée dans mon coin de travail et je me la répète sans cesse. Ainsi, j'arrive peu à peu à franchir les différentes étapes qui me feront enfin passer vers un meilleur lendemain. Je vous la partage afin que vous aussi, vous voyiez la lumière qui vous attend de l'autre côté du tunnel.

Image : David Horvitz
Source : Vu d'ici - Seen from here

Un décompte impatient

2008-04-13T09:58:00.005-04:00

Plus que deux semaines avant la fin. Une fin attendue, une fin nostalgique. Deux semaines avant la clôture de ce contrat de trois ans. Trois années dans cette ville étudiante ô combien similaire à ma ville natale. Un retour aux sources avec ces gens de région qui ont su provoquer au premier regard une méfiance précoce pour enfin vite gagner une confiance, un attachement, une amitié inconditionnelle. Après l'Événement qui marquera la conclusion de ce cycle, je serai de retour dans la métropole. La saison s'annonce agréablement musicale. Le bal sera lancé par Foals au Cabaret Juste pour Rire, suivi de The Kills, passant par Les Breastfeeders, avec une possibilité de revoir M.I.A., puis The Raconteurs, une deuxième rencontre, un spectacle qui s'avérera probablement la meilleure performance 2008, et enfin, pour clore cette saison québécoise en beauté avant le départ tant attendu pour la Suisse, Radiohead. Sans compter les trouvailles du Festival de Jazz et des Francofolies. Un été tout en musique qui saura me faire passer outre cette tranche de vie inoubliable, ces trois années où nous avons grandi, à notre propre surprise, comme nous aurions jamais su grandir. Une croissance qui nous pousse désormais vers des horizons singuliers.

À la recherche du temps

2008-03-31T13:33:00.008-04:00

Ça ne va pas. J’ai envie de fuir, de m’évader, de partir en cavale, d’échapper à tout le chaos qui m’oppresse. Les travaux scolaires et les obligations quotidiennes m'empêchent de respirer convenablement. Je voudrais vous faire part de la prestation enflammée de Misteur Valaire au Café Campus mercredi dernier, du nouvel album éclaté de The Kills, de ma hâte incontrôlable à les voir en spectacle le 4 mai prochain, vous parler aussi du nouvel opus de The Raconteurs, l'agréable présence du piano qu'on y retrouve, vous partager également la musique de Sons & Daughters, ma déception d'avoir raté leur spectacle à La Sala Rossa mardi dernier, vous rédiger ma critique sur le magnifique Paranoid Park de Gus Van Sant et enfin celle de roman de Patrick Modiano, Dans le café de la jeunesse perdue, à la fois simple, poétique et construit de manière originale et efficace.

Eh non. Je dois peaufiner une bande-annonce qui sera projetée sur les écrans de cinéma, une animation dont j'éprouve à peine un grain de fierté, terminer une autre animation dont la fin me semble inexistante, sans oublier les travaux de recherche qui me semblaient enrichissants et dont je me suis vite lassée. Enfin, ce projet vidéo dont les efforts acharnés se sont vu soudainement chambardés. Le dilemme de continuer s'est imposé. Ce qu'on ne ferait pas pour rendre tous les sentiments que l'on éprouvent pour ses pairs! Cette fidélité me motive et m'essouffle à la fois. Où est donc passée cette attitude nonchalante récemment adoptée qui permettait d'équilibrer mon quotidien?! Peut-être vais-je pouvoir la retrouver lors de mon passage dans la Métropole le weekend prochain, ma dernière chance avant le retour officiel. Puis l'Europe. Enfin l'Europe. Une autre réalité qui commence à ne plus se faire attendre...

Justice for all, shame on me

2008-03-17T10:09:00.004-04:00

Après avoir raté de peu un spectacle annoncé à la dernière minute en supplémentaire au Métropolis, il n'était pas question de laisser passer la chance d'assister à celui donné au CEPSUM dimanche dernier. Il s'agit ici de la nouvelle sensation électro française, abusivement comparée aux vétérans Daft Punk, Justice.

Résultat : un scénario inimaginable.

Après un souper bien arrosé, trois filles se rendent à Outremont pour en rejoindre deux autres. L'une d'entre elles, fidèle à ses habitudes, arrive avec quelques minutes de retard. Il est 20h. Le spectacle vient tout juste de commencer. Personne n'est trop agitée. On se fout des deux sets de DJs invités. Les cinq filles quittent alors Outremont pour aller prendre un verre dans un pub étudiant, non loin du CEPSUM, afin de réchauffer l'atmosphère et d'attendre que les artistes en première partie terminent leur prestation. 21h sonne. Quatre filles enfilent leurs manteaux. Au moment où elles se lèvent, une des cinq se dirige vers la table avec un deuxième pichet. Trois d'entre elles se regardent sans trop comprendre la raison de ce surplus d'alcool à cette heure presque alarmante. Confuses, elles rassoient. Les discussions reprennent de plus bel. 22h15 sonne. Une des cinq est prise de panique. Les filles courent donc vers le métro. Elles attendent le métro. Elles prennent le métro. Elles débarquent du métro. Elles arrivent sur les lieux. Les gens de la billetterie les regardent d'un air douteux et amusé. Le vestiaire indique complet.

On pénètre enfin dans le complexe avec nos manteaux d'hiver sur le bras : le public est en transe et Justice est tout simplement à son apogée. Je veux m'effondrer. Je n'arrive pas y croire. On tente tout de même de s'infiltrer dans la foule. J'essaie malgré tout de profiter des pièces qui restent. Une des cinq demande à une personne inconnue depuis combien de temps Justice est sur scène. Il répond : « Un peu plus d'une heure ». Je veux pleurer.

La scène est majestueuse. Trop d'amplis qui ne sont là que pour donner un effet imposant au monticule du fameux duo. Trop de lumières qui intensifient l'état de transe de la musique et, par le fait même, celui du public. Mais cet abus donne au décor une vibe ensorcelante. L'intensité des mix pénètre directement les parties nerveuses du corps. C'est tout simplement malade! Après deux pièces, Justice signe son au revoir. J'en veux davantage. Le groupe revient quelques instants plus tard pour un rappel de deux autres chansons.

Je sors du complexe la tête basse. Non seulement je viens d'assister à au show le plus aguichant de l'histoire, mais j'ai déboursé 40$ pour quatre pièces.

Je suis officiellement pissed. Trois des cinq filles quittent sans dire un mot. Elles ont été mangées leurs émotions au McDo. J'ai encore mal au coeur...

Tout un cadeau de fête Ari!

La disparition d'une muse

2008-03-07T14:16:00.007-05:00

L'inspiration s'est volatilisée. Par le fait même, elle a emporté la motivation. Je n'arrive à rien. Un deadline important approche. Il m'effraie. Malgré la concrétisation de projets grandement méritée, un vide tente d'imposer sa présence. Je le déteste. J'ai peine à lui échapper.

Par cette journée où le soleil dégage une puissance illuminée, je me suis dit qu'en allant faire une promenade il pourrait me partager sa force. Je me suis rendue au marché. Je suis revenue lassée. Étant donné que le printemps cogne à la porte, j'ai enfilé mes bottes vertes, celles qui me font gambader. J'ai fini par me traîner les pieds.

Que veut-elle prouver en disparaissant subitement? L'impulsivité ne fait pourtant pas partie de sa personnalité. Quelques fois j'ai l'impression que je devrais arrêter de jongler aisément avec le rêve et la réalité. Est-ce qu'agir signifie cesser de rêver? Peut-être a-t-elle favorisé un univers qui m'a échappé? Un univers où elle se trouve davantage à son aise, où sa tâche demande moins d'efforts. Je hais le confort. Serait-ce simplement une preuve d'incompatibilité? Je n'y crois pas.

Pourquoi ne revient-elle pas, cette muse qui a si foi en moi?

Quand le look prend le dessus sur la musique

2008-03-06T15:30:00.005-05:00

Ayant été saisie par la musique garage punk aux tonalités rétro du groupe suédois The Hives depuis Veni vidi vicious, je me devais d’assister à leur spectacle au Métropolis le 4 mars dernier. Avec The Donnas en première partie, groupe rock féminin qui a conquis mon attitude d’adolescente « rebelle » au début des années 2000, la soirée allait raviver de bons souvenirs musicaux… des souvenirs qu'il serait préférable de garder dans le passé.

C’est avec déception que je me suis absentée de la prestation de The Donnas, faute d’une réticence à se présenter trop tôt. Ainsi, à notre arrivée, la salle était pleine à craquer. La fébrilité se fait sentir. C’est en tentant désespérément de s’infiltrer dans la foule que l’anticipation de l’événement a perdu l’essence de son excitation.

Le design de la scène était très tendance : du néon rouge qui affichait le nom du groupe au smoking noir et blanc des années 60, le caractère rétro du rockabilly battait de son plein. Toutefois, le fashion n’a pas réussit à dissimuler le son médiocre des instruments qui enterraient la voix de Pelle Almqvist de sorte à la rendre désagréablement cacophonique. Seulement les hits tels Walk idiot walk et Hate to say I told you so ainsi que des chansons plus poignantes du nouvel album telles Tick tick boom, Hey little world et la criante Won’t be long sonnaient clairement.

Même si la prétention fait partie de chacun des personnages de The Hives, elle était dérangeante mardi soir. L’abus d’un lancement de baguettes à toutes les deux chansons l’était aussi. Ce qui m’a davantage troublé, c’est le parallèle instauré par la lecture d’un article dans Nylon il y a quelques mois. Ce dernier relatait le témoignage du groupe sur sa difficulté à percer dans l’industrie depuis la sortie de Black and white; que l’intention de l’album avait été incomprise, malgré un processus de création longuement réfléchi. Alors quand Pelle Almqvist clame à la fin du spectacle : « From the beat of our hot music, we can’t go on », je me sens trahie.

I don’t heart the music of Sweden anymore.

Danser avec la solitude

2008-03-02T15:26:00.007-05:00

Dans le cadre de la 26^e édition des Rendez-vous du cinéma québécois, je me suis présentée à la projection du magnifique premier long métrage de Stéphane Lafleur, Continental, un film sans fusil.

À la suite de la disparition mystérieuse du mari de Lucette (Marie-Ginette Guay), quatre personnages se trouvent dans un quotidien submergé par le désespoir, la solitude et l’attente d’un jour meilleur qui saura placer sur leur chemin une âme sœur. Alors que l’absence de son mari pousse Lucette dans un état de folie, Louis (Réal Bossé) tente malencontreusement de réussir dans son nouvel emploi et de maintenir une relation de couple saine, Chantal (Fanny Mallette) survit au célibat en se laissant des messages imaginaires sur sa boîte vocale et Marcel (Gilbert Sicotte) échappe aux effets nocifs de sa faillite personnelle en s’appropriant les biens des autres. C’est au moment où la tristesse de chacun se croisera que la faible lueur de bonheur tant recherchée se manifestera.

Continental est sans aucun doute le film d’auteur québécois le plus révélateur de 2007 (je me retiens pour ne pas dire 2008, puisque j’anticipe Incendies de Denis Villeneuve). Dès les premières séquences du long métrage, chaque personnage est peint dans son environnement respectif, univers qui s’avère révélateur quant au caractère de chacun. La direction photo de Sara Mishara est d’une sobriété purement magnifique. Les plans sont très léchés, épurés : le cadre s’installe, reste fixe et attend simplement que les personnages prennent place. L’éclairage accueille ces derniers de sorte à accentuer l’état de solitude dans laquelle ils baignent. Aussi, les couleurs fades aux teintes vertes et beiges évoquent bien le malaise des protagonistes.

Fanny Mallette est bouleversante, voire troublante. Bien qu’elle adopte un rôle similaire à ce qu’elle a fait à maintes reprises auparavant, elle assure son personnage dans tout son pathétisme de sorte à ce que sa solitude dérangeante devient sympathique. Pour sa part, Réal Bossé surprend agréablement. Associé souvent à des rôles loufoques, il sait rendre tout le désespoir et l’instabilité de son personnage. Malgré le caractère particulièrement lourd des protagonistes, Marie Brassard vient déstabiliser la noirceur du récit avec son personnage d’une gêne tout à fait hilarante.

Si Continental est avare en dialogues, c’est que ces derniers s’avèrent singulièrement efficaces quand ils sortent de la bouche des personnages. L’étrangeté du titre de ce film se veut une allégorie au caractère solitaire de la danse traditionnelle. La séquence où le personnage de Lucette s’exécute parmi le groupe de danseurs est non seulement révélateur à ce sujet, mais est surtout d’une beauté poétique qui réussit bizarrement à nous bercer.

Tout le monde finit par trouver son compte dans cette comédie noire qui faire rire jaune.

Le comble du bonheur

2008-02-29T14:51:00.003-05:00

Quand tu te lèves un matin et que ta vie bascule
Quand tu as l'impression que tu ne verras jamais la lumière au bout du tunnel
Quand tu décides subitement d'arrêter de sombrer
Quand tu ressens un appel et que tu choisis de faire confiance
Quand tu mets toute ton énergie dans un projet qui devient vital
Quand tu as foi en le destin
Il suffit simplement d'y croire et de se laisser aller

C'est officiel : j'ai été acceptée dans le programme Histoire et esthétique du cinéma à l'Université de Lausanne en Suisse pour la session d'automne 2008, et ce, 3 mois à l'avance. Pourquoi cette réponse précoce? Le dossier à été déposé il y a à peine 3 semaines. S'agit-il d'une procédure formelle? Un coup de cœur? L'impact d'une certaine lettre?... Peu importe.

En cette belle journée ensoleillée, je flotte sur un nuage. Je me sens légère. Mon sourire est figé. Je vis le comble du bonheur.

Somewhere, over the rainbow

2008-02-29T10:20:00.003-05:00

Je suis essoufflée. La mi-session n’a pas été de tout repos. Malgré tout, je n’ai jamais été aussi zen de toute ma vie. Reste à voir d’ici quelques semaines si ça aura généré du positif. Je crois que c’est l’arc-en-ciel de Radiohead qui m’a sauvé de tout ce stress vicieux. La voix mélancolique de Yorke dirigée par les douces mélodies parsemées de tonalités électro a su maintenir ma concentration didactique, tout en laissant une embrasure à l’évasion imaginaire.

Ce matin signe enfin un répit pour terminer Dans le café de la jeunesse perdue, prendre le temps d’aller au magasin de disques, rattraper mon retard quant au visionnement de certains films cultes, écouter les épisodes délaissés la télé-série kitsch que j’adore, me consacrer à l’animation d’un projet multimédia ainsi qu’à la pré-production d’un projet vidéo.

Plus tard, quand je serai grande, je serai…

2008-02-26T23:26:00.011-05:00

Dans le cadre de la 26^e édition des Rendez-vous du cinéma québécois, j’ai assisté à une conférence donnée par six producteurs (Luc Déry, Kim McCraw, Sylvain Corbeil, Paul Barbeau, Pierre Even et Réal Chabot) sur l’avenir et les enjeux du métier de producteur. En prenant place dans le bistro SAQ, je me suis dit : « Moi, quand je serai grande, je serai productrice ». Quand je suis sortie j’étais toujours convaincue que je serai.

Même si le débat m’a laissé sur ma faim (s’il en avait un), j’étais heureuse d’apprendre que malgré la situation difficile du marché cinématographique québécois, en ce qui a trait particulièrement au financement, il est toujours possible de trouver son compte dans le domaine et surtout, arriver à mettre en images ce en quoi nous avons foi. Les propos de Pierre Even (C.R.A.Z.Y., Nitro) étaient éloquents à ce sujet. Ce que le cinéma québécois a besoin, c’est une notoriété internationale. L’industrie cinématographique a connu (et connaît toujours) l’invasion américaine, il y a ensuite eu la vague du cinéma français, puis la marginalité du cinéma danois et j’en passe. À quand la reconnaissance d’une signature québécoise?

J’ai ensuite assisté (enfin!) à la projection de Continental, un film sans fusil. Je n’en parlerai pas puisqu’une critique sera publiée sous peu. Je ne peux toutefois me retenir sur un commentaire : il s’agit définitivement, selon moi, du meilleur film de l’année 2007, toutes catégories confondues. Stéphane Lafleur était présent après le visionnement pour répondre aux questions du public. Il est d’une humilité inspirante. Ce réalisateur sensible représente définitivement l’essence de la nouvelle génération de cinéastes québécois.

J’ai récemment lu un article dans Voir Estrie, une entrevue avec Yves-Christian Fournier, réalisateur de Tout est parfait. Il soulignait justement cette nouvelle effervescence cinématographique. Il concluait ses propos en disant : « Mon rêve, c’est de pouvoir faire partie d’une époque d’or du cinéma québécois, qu’il y ait une synergie entre les réalisateurs, comme à l’époque de Gilles Groulx. » Avec Falardeau, Villeneuve et Turpin en tête, chaperonnés par Stéphane Lafleur, Sébastien Rose, Louis Bélanger et Maxime Giroux, j’ai l’impression que le souhait de Fournier se concrétisera.

Comme le disait Paul Barbeau, président de la maison de production Núfilms : « Tu veux faire un film, fais-le! Un projet pilote te passionne, produis-le! ». La série de courts métrages à laquelle je me suis présentée par la suite s’est avérée la preuve de cette conviction. Des films tels Mordu de Lucie Pagé (direction photo renversante et récit narratif poétique touchant) ainsi que Dust Bowl Ha! Ha! de Sébastien Pilote (œuvre magnifique et bouleversante dans sa simplicité, aussi gagnant du meilleur court métrage de fiction dans le cadre des RVCQ) démontrent que la relève n’a pas terminé de grandir et surtout, d’avoir un impact révélateur sur l’industrie.

Bonnie & Clyde

2008-02-24T13:54:00.001-05:00

J’ai fait mon sac et j’suis partie. Au diable les travaux de mi-session! Au diable l’emploi merdique à temps-partiel! Au diable les règles du quotidien auxquelles on doit se soumettre! Ce qui devait être un aller-retour, le temps que tout s’envole au moment même de le vivre, s’est avéré un exil de quatre jours.

Après deux jours à courir contre la montre, presque essoufflé de vivre le plus de rencontres artistiques possible, la paresse s’est vite installée. On laisse tomber la conférence qui aurait apporté à une certaine démarche intellectuelle, on s’absente du concert tant attendu depuis quelques mois et on part en cavale.

Le cliché s’est imposé : chambre de motel, bordel, abolition de l’horaire, désir, passion. Fuite? Who cares, the world is ours! Se croire philosophe, changer la vision du monde, remédier à une faille de l’enfance, ignorer le doute, foncer, projeter avec prudence sans toutefois s’empêcher de rêver.

« Retourner dans le passé pour vivre un présent illusoire », disait Elle. Moi je n’y crois pas. J’ai décidé de vivre un présent qui saura influencer un futur de sorte à ne pas rester emprisonné d’un passé déjà volatilisé, peu importe ce que ce dernier comportait.

Un exil où la culpabilité représente l’inexistence, où l’on apprend, où l’on vit, où le bien-être et le bonheur sont bien plus significatifs et sincères que se démener devant une machine pour un travail duquel la satisfaction retirée, aussi éphémère soit-elle, se retrouvera sur un papier et ne vaudra plus rien demain.

Il ne s’agit pas d’un road movie des années 60 où l’on se prétend gangster, mais plutôt d’être fugitif d’une réalité qui nous impose un cadre, l’oppression de plaire, de réussir. I chose otherwise.

I chose to believe
I chose faith
I chose to have the choice

Définir la réalité

2008-02-17T20:22:00.007-05:00

Je traverse présentement une phase où je me questionne sur les limites imposées par la réalité. Jusqu'où il est « permis » de jouer avec le rêve, voire le fantasme, et la réalité? Quelles sont les conséquences de jongler avec ces deux univers sans que l'un n'empiète dangereusement sur l'autre? J'ignore si j'ai vraiment envie de trouver des réponses. Toutefois, un passage de Dans le café de la jeunesse perdue (je sais, j'abuse un peu dans le partage de ma lecture de ce nouveau roman) m'a particulièrement séduite dans ce questionnement quelque peu philosophique sur la vie.

« Dans cette vie qui vous apparaît quelques fois comme un grand terrain vague sans poteau indicateur, au milieu de toutes les lignes de fuite et les horizons perdus, on aimerait trouver des points de repère, dresser une sorte de cadastre pour n'avoir plus l'impression de naviguer au hasard. Alors, on tisse des liens, on essaye de rendre plus stables des rencontres hasardeuses. »

2008-02-15T13:49:00.005-05:00

- Me lever à 4h45 du matin pour me rendre à un shooting qui finit par s'avérer efficace.
- Faire des mises à jour web sans que Dreamweaver plante.
- Recevoir le nouveau numéro de 24 images.
- Recevoir mon passeport 3 semaines à l'avance.
- Écouter Old world underground, where are you now? en cette journée de tempête.
- Apprendre que le nouveau film de Gus Van Sant sera à l'affiche dans quelques semaines.
- Lire la critique sur Paranoid Park et sourire à tous les paragraphes parce que les propos cités me font déjà ressentir le film.
- Être inspirée dans mon écriture scénaristique.

L'art est un cercle vicieux

2008-02-14T21:17:00.010-05:00

La mi-session est déjà entamée. J’en ai par-dessus la tête. De l'art plein la tête. Je me suis promise de ne plus me laisser assimiler par la pression négative. Le moyen pour y arriver : prévoir des moments qui sauront nourrir ma motivation et conserver mon esprit sain. Malgré le respect de cet objectif, j'ai l'impression de baigner dans une saturation des arts qui tend à m'éloigner du reste du « monde ». À l'horaire : shooting pour un projet multimédia, conférence de presse pour un concours cinématographique, surcharge d'ouvrages et d'articles sur la notion démocratique de l'art, scénarisation d'un projet vidéo, emploi à temps partiel au Centre culturel. Pour ne pas perdre la tête : installation de Marc Garneau à la galerie Horace, We are wolves et Pas chic chic au Téléphone rouge, le lancement de disque de Dactylo Fidelity, un aller-retour aux RVCQ pour profiter d'une conférence, pour voir (enfin!) Continental, un film sans fusil, et peut-être Borderline (film qui me titille de plus en plus non seulement grâce aux critiques, mais aussi grâce aux propos d'une amie branchée) et, pour le mois de mars, The Hives, Justice et peut-être une soirée électro endiablée de la S.A.T. donnée par Moby. Mon quotidien serait-il en manque de diversité?

Quand le destin t'appelle

2008-02-12T18:05:00.001-05:00

Le dossier est enfin déposé. Il ne reste plus que 3 mois à patienter. Attendre le moment où la vie me mènera vers ce Y tant attendu : Sherbrooke ou Lausanne. La tangente à entreprendre sera définitivement Lausanne (il le faut, donc ce le sera!). Je suis enfin prête, prête pour partir à la quête de nouveaux horizons culturels, prête pour une dernière poussée de croissance avant de plonger dans le vrai(?) monde. Ainsi, je vais compléter mon baccalauréat en communication en Suisse l’automne prochain. À l’horaire : des cours en histoire et esthétique du cinéma, des concerts, une surdose d’expositions muséales, des trouvailles artistiques, de nouvelles rencontres, des périples par-ci par-là à travers l’Europe, de grands moments de bonheur, quelques tristesses et surtout, mon aventure londonienne. Je partirai l’esprit clair, un nouveau départ, un objectif en tête : trouver l’essence de ma vision, de ma passion, de mon existence. Le destin est ce qui nourrit la vie.

consommARTion

2008-02-05T15:35:00.001-05:00

Les achats sont faits. Sans vouloir paraître supercielle, je me sens mieux! La facture fait grincer des dents : environ 150 $. Comment pouvais-je résister?! Sortie du renversant Across the universe aujourd'hui, 2 romans (dont le mystérieux Dans le café de la jeunesse perdue), 4 CDs (la dernière fois que je m'en étais procuré un remonte à novembre dernier) et l'édition du mois de février de Nylon, édition spéciale sur la scène musicale underground et le milieu trash de la mode londonienne, avec en couverture, mon nouveau coup de coeur british : The Kills. Certains « pimp » leur voiture, d'autres leur ordinateur, de mon côté ce sont ma bibliothèque, mon iPod et mon lecteur DVD. Le pire dans tout ça, c'est que j'ai des devoirs par-dessus la tête et je ne pourrai même pas en profiter tout de suite...

Recoller les morceaux

2008-02-03T16:40:00.000-05:00

Après des moments noirs quelques fois parsemés de moments plus blancs, d'autres gris, l'âme commence à reprendre sa force. Le soul criard de Janis sait resaisir des réflexions qui ne devraient pas avoir tant d'emprise. De Piece of my heart à Mercedes Benz passant par Me and Bobby McGee, sa poésie trouve le moyen de nous cracher au visage une réalité(?) qui ne devrait pas être ignorée et qui n'est surtout pas à plaindre. « Get it while you can », disait-elle.

Back to black

2008-02-01T15:50:00.000-05:00

Amy joue en boucle aujourd'hui. Impossible de m'en défaire ces derniers jours. Ses airs de blues teintés de jazz motown me rendent taciturne. J'ai envie de fuir, quelque part où je n'aurai aucun repère, pavé de pierre, petite table ronde sous un soleil presque chaud, cappuccino, Dans le café de la jeunesse perdue. J'crois bien me procurer ce roman demain. L'envie d'une cigarette me prend. Presque trois ans d'abstinence déjà. À quoi bon. Coffee and cigs, le cliché noir et blanc, un moment d'illusion qui nous fait croire que la réalité devient plus légère lorsqu'on inhale la substance. Toxique. Il est temps de changer le disque.

1000 Journals

2008-01-30T00:34:00.000-05:00

Le concept est magnifiquement simple (voir lien ici-bas) : à partir de 1000 bouquins vierges distribués sur une étendue plus ou moins déterminée, les gens qui les recevront seront appelés à y intégrer un brin de créativité pour enfin donner le soi-disant journal à quelqu’un d’autre. Il s’agit d’une forme de « donnez au suivant » entre amis ou étrangers dans le but de développer une interactivité artistique particulière. Ce concept s’avère une source d’inspiration qui pourrait s’appliquer à toutes les sphères. Une façon de partager ce qui nous passionne, ce qui alimente notre appréciation de la vie. Seulement, quand on y réfléchit, cette notion de partage ne semble pas séduire autant d’« artistes » que l’on pourrait imaginer, souhaiter. Le tout me trouble quelque peu...

Est-il si difficile d’assumer ce que l’on crée?
Y a-t-il une honte à prôner être un artiste?
Existe-il une crainte à transmettre certaines notions artistiques, voire culturelles?
Est-ce que la peur réussira à éteindre toutes formes de créativité?
Qu’en devient-il de l’authenticité artistique?

http://www.youtube.com/watch?v=klnFtLGrKWU

http://www.1000journalsfilm.com/

Une nouvelle année, un nouveau genre

2008-01-29T18:37:00.000-05:00

Malgré mon manque d'assiduité en tant que critique au cours des derniers mois, l'art m'inspire plus que jamais. Ne pouvant ignorer les répercussions qu'a sur moi ce domaine constamment en mouvance, j'ai décidé de maximiser mes horizons.

Il va de soi que mes nouveaux projets artistiques, particulièrement ce travail de recherche sur la démocratisation des arts (dont vous m'entendrez inévitablement parler), ainsi que ma carence en consommation littéraire, musicale et cinématographique ont provoqué un bouillonnement d'opinions, de jugements, d'états (nommez-les!) que je ne pouvais conserver que pour moi-même. C'est pour cette raison que je revisite ce blog qui, ma foi, nécessite un contenu plus dynamique.

Ainsi, je délaisserai parfois le vocabulaire plus soignée de la critique pour laisser place à mes élans d'inspirations, de frustrations et de constats impulsifs sur ce qui nourrit mon quotidien : l'art. Pour ceux qui préfèrent le côté plus formel de la critique, n'ayez crainte. Des événements culturels (surtout musicaux, vous en conviendrez) sont inscrits de manière presque hebdomadaire à mon agenda pour les deux prochains mois à venir.

Il faut rester fidèle à l'essence de notre bonheur.

L'ère du changement

2007-12-09T09:11:00.000-05:00

Dans le cadre de sa 36^e édition, le Festival du Nouveau Cinéma (FNC) offrait une de ses programmations les plus riches et les plus diversifiées. L’événement soulignait aussi quelques premières québécoises très attendues, soient le premier long-métrage de Jean Leclerc, Ice cream, Durs à cuire de Guillaume Sylvestre ainsi que L’âge des ténèbres de Denys Arcand.

Malgré les mauvaises critiques depuis sa sortie à Cannes, le dernier film d’Arcand était présenté à guichet fermé. Dans l’assistance, l’excitation était palpable, principalement lorsque Claude Chamberlan, fondateur et directeur de la programmation du FNC, a annoncé la pr ésence de Denys Arcand après la projection. Malheureusement, mon sentiment de satisfaction est venu uniquement au moment où la bande de film a cessé de tourner, suivi par l'entrée du principal invité.

Fonctionnaire provincial, Jean-Marc Leblanc (Marc Labrèche) est lassé de son train de vie. Mal marié, père sans autorité, employé blasé, il tente d’échapper à son quotidien en se glissant dans la peau d’un grand charmeur célèbre, souhaitant que ses aventures le mène vers la quiétude.

L’âge des ténèbres est sans aucun doute le long-métrage le plus commercial d’Arcand. Il semble que depuis Les invasions barbares, le cinéaste ne se satisfait plus de s’inspirer d'une réalité sociale québécoise sombre, mais plutôt de surligner avec une touche caricaturale le système dans lequel cette dernière baigne.

En effet, le cinéaste fait évoluer ses protagonistes dans des endroits complètement absurdes. Du stade olympique au site de duels médiévaux, présentant des personnages tous aussi illuminés que vides, adoptant un mode de vie déconnecté de la réalité. Cette approche satirique fait grandement penser à la trilogie Elvis Gratton, particulièrement le troisième volet, de Pierre Falardeau.

Avec L’âge des ténèbres, Arcand brise les lois de la dramaturgie cinématographique et ce risque dérange considérablement le spectateur. Certaines scènes, principalement celle de l'épopée médiévale, manifestent des longueurs qui provoquent l’ennui. Aussi, un clin d'œil douteux à Tarantino pour son œuvre Kill Bill tend à déstabiliser de sorte à installer un parallèle démentiel.

La palette d’acteurs est toutefois impressionnante. Sylvie Léonard, fidèle (si ce n'est que redondante) à ses choix de casting, est efficace dans son rôle de femme de carrière frustrée, mal baisée. Pour sa part, Marc Labrèche s’avère juste, mais échoue en ce qui a trait à l’émotivité de son personnage de sorte à manifester un vide.

Malgré tout, Arcand ne laisse pas tomber (heureusement!) le côté noir de la vie, soit la mort. Cette dernière est toujours présente et le cinéaste l’illustre avec une intensité poignante. Même si elle s’avère plus accessoire dans ce long-métrage, c’est dans les scènes où elle est éloquente, notamment à l’hôpital, que l’on retrouve avec soulagement la signature d’Arcand.

Ne vous méprenez pas à croire qu’il s'agit d’un troisième volet à la fameuse « suite » au Déclin de l’empire américain et aux Invasions barbares. Bien que le cinéaste ait un faible pour les époques historiques, L’âge des ténèbres reste simplement familier dans l’inspiration générale du récit.

Avec L’âge des ténèbres, Arcand montre que même la dépression provoque le fantasme et le rêve. Une chose est sûre, réaliser ces derniers et se faire plaisir ne fait pas toujours le bonheur du public.

Besoin d'amour

2007-12-02T22:12:00.001-05:00

The Beatles a toujours exercé un pouvoir d’influence consid érable dans la musique. Au cours des dernières années, l’œuvre du groupe culte britannique a non seulement inspiré le monde du cirque (LOVE), mais particulièrement le cinéma. Après l’émouvant I am Sam, c’est Across the Universe qui présente une trame narrative entièrement construite à partir des chansons des Beatles, mettant en vedette les personnages célèbres de ces dernières, évoluant dans une atmosphère qui leur sont propre : le romantisme psychédélique.

Jude (Jim Sturgess) quitte Liverpool pour aller retrouver son père aux États-Unis. Il fait ainsi la rencontre de Max (Joe Anderson), un jeune bourgeois rebelle. Accompagnés de la sœur de ce dernier, Lucy (Evan Rachel Wood), les deux jeunes hommes quittent la banlieue pour partir à New York afin de vivre un quotidien libertin, sans limites, propre à la réalité du mouvement hippie des années 60. Alors que le pays est en guerre au Vietnam, Max est appelé à joindre les rangs du peloton. Submergés par l’amour, l’art et le militantisme pour la paix, ses jeunes aveuglés par la passion se trouveront soudainement atteints par la rupture.

La comédie musicale de Julie Taymor transporte agréablement le spectateur dans un univers rêveur, là où limite est synonyme de réalité. La direction photo ainsi que la direction artistique des scènes chorégraphiques sont dignes d’un trip d’acide coloré mais surtout, transcendant. Chaque chanson est exploitée dans toute sa beauté lyrique dévoilant peu à peu la vulnérabilité des personnages. La performance de Strawberry fields forever, criante de désespoir, est intensément renversante alors que Jude se trouve à la fois blessé et soudainement envahi par la haine.

C’est toutefois I am the Walrus, interprété par un Bono illuminé, qui signe un moment culte dans le psychédélisme narratif. La séquence de nudité sous l’eau marque également un moment de pur romantisme, voire virginal.

Même si quelques scènes peuvent sembler discordantes les unes par rapport aux autres, ces dernières révèlent tout le caractère expérimental et poétique du film. Malgré tout, certaines longueurs s’imposent. Bien que les images réussissent à séduire le public, le montage faut en ce qui a trait à la concision.

Les acteurs, parfois justes, parfois maladroits, font preuve d’une fragilité charismatique, comme le font souvent ces jeunes artistes « découverte » sortis directement de l’underground des arts de la scène.

Across the Universe s’avère inévitablement la meilleure comédie musicale depuis Moulin Rouge. Le long-métrage nous plonge dans un univers où l’on tombe amoureux de la vie, amoureux de la musique; une réalité qui prend fin là où l’on ferme les yeux.

Reste à trouver notre Jude ou notre Lucy, puisque « love is all we need ».

Il était encore une fois…

2007-10-08T11:29:00.000-04:00

Depuis 2002, notamment avec la sortie de Québec-Montréal, les artisans de l’industrie du film éprouvent une gourmandise pour les scénarios construits autour de protagonistes masculins lâches et insouciants, constamment en quête d’une concrétisation de leurs fantasmes. Le premier long-métrage de Patrick Huard, Les 3 p’tits cochons, ne fait pas exception à la formule. Traitant particulièrement de l’infidélité conjugale, le réalisateur dresse le portrait de trois frères piégés par leur vulnérabilité. Un récit au cours duquel la référence métaphorique d’un conte pour enfants se révèle efficacement subtile.

Victime d’un traumatisme émotif provoquant un coma, une mère (France Castel) réunit ses trois fils, Mathieu (Claude Legault), Christian (Guillaume Lemay-Thivierge) et Rémi (Paul Doucet), au pied de son chevet. Ces derniers, angoissés par leurs relations de couple sexuellement perturbées, tentent, chacun à leur façon, de régler le supplice conjugal qui les habite, en discutant du bien-être que leur procure l’infidélité. Se prétendant presque innocents dans leurs actes et propos, les trois frères vivront un plaisir éphémère qui se tournera rapidement contre eux, et ce, sans exception.

Dirigée par une narration qui distrait, la comédie dramatique expose les trois protagonistes évoluant dans des milieux de vie distinctifs, lesquels sont présentés gratuitement au début du film. Malgré une cinématographie qui ne se démarque pas, Les 3 p’tits cochons réussit à intégrer un dynamisme avec son rythme narratif décousu, à partir duquel certaines scènes sont montées de manière fluide, en ne respectant pas l’ordre chronologique des événements.

Utilisant un rapport abusif de sous-exposition/surexposition de la lumière afin de marquer le sentiment de tension relatif à l’épanouissement du personnage de Mathieu, Bernard Couture, directeur photo, exploite maladroitement son intention. Il réussit cependant à créer une ambiance froide avec des couleurs verdâtres qui expriment bien l’atmosphère du mensonge qui règne dans le film.

C’est toutefois la performance saisissante des comédiens qui fait toute la richesse de ce long-métrage. Claude Legault, fidèle à lui-même, fait preuve d’une vulnérabilité séduisante. La chimie entre lui et Guillaume Lemay-Thivierge, lequel joue avec une naïveté spontanément comique, se révèle à la fois cocasse et intrigante. Le couple formé par Mathieu et Geneviève (Isabel Richer), émotionnellement fragile, est si bien exploité qu’il échappe, malgré la morale traitée à maintes reprises, au discours vide de sens pour faire place à une sensibilité touchante.

Le fil conducteur du récit reste avant tout l’analogie au conte pour enfants. Cette dernière, relevée avec brio, soulève des références aussi directes que subtiles. Du statut social des trois frères au fait que les deux « sans-abris » se réfugient sous le toit de celui qui semble plus solide, rien n’est oublié dans le scénario de Pierre Lamothe et Claude Lalonde. Même la lecture du conte en soi ainsi qu’un court extrait de la chanson de Dan Bigras exécutés par le personnage de Mathieu sont présents.

Après le portrait du père absent ainsi que celui de l’homme trentenaire ayant peur de l’engagement, le cinéma québécois se lance une fois de plus dans l’abus d’un courant social de notre culture. Il faut croire que la stabilité représente la zone de confort souhaitée par la majorité des gens, sans toutefois épargner l’option de sauter la clôture…

L’univers planant de Patrick Watson

2007-08-10T10:15:00.003-04:00

Malgré la programmation « vedette » de la Fête du lac des Nations cette année, quelques artistes de la scène underground ont brillé par leur présence authentique. Parmi cette rare sélection, le talentueux montréalais Patrick Watson a livré une prestation enivrante lors de son spectacle le 12 juillet dernier.

C’est un jeune homme d’une simplicité charismatique qui s’est présenté sur la scène Molson Dry. Prenant place derrière ses claviers, Watson a mené d’assaut la direction musicale avec ses trois musiciens, tous aussi submergés par les sonorités transcendantes produites d’eux-mêmes et des autres.

À première vue, l’énergie de Patrick Watson est un clin d’œil direct au prodigieux Chris Martin, leader du groupe Coldplay. La ressemblance devient d’autant plus notable lorsqu’il marie sa voix avec l’ensemble musical. Les faisceaux de lumière verdâtre font également sourire, puisqu’ils rappellent inévitablement le vidéoclip Clocks. L’image référentielle se rompt toutefois après quelques pièces, alors que Watson et sa bande adoptent des tonalités beaucoup plus expérimentales que celles des artistes auxquels ils sont associés.

Le groupe se définit brillamment dans sa polyvalence instrumentale. Watson et ses musiciens ne cessent de surprendre avec leur manipulation d’objets, manifestement absurdes au premier coup d’œil, dans le but d’amplifier la portée d’un son. Pour le guitariste, c’est en dégonflant un ballon et en glissant une lame de rasoir sur les cordes. Pour le percussionniste, c’est une scie et un autre bidule qui semble avoir été fabriqué par l’un d’eux. En ce qui concerne Watson, c’est une pédale qui modifie l’écho de sa voix.

Il va sans dire que Patrick Watson est considéré davantage comme un groupe que comme un artiste solo. La chimie entre le leader et ses musiciens baigne dans une profondeur où chacun se réfugie dans son univers respectif, vivant ainsi la transe musicale à leur façon. Liés par une sonorité commune, les membres du groupe ne nécessitent pas même un hochement de tête pour communiquer. Ils se font intuitivement guider par les sons de leurs instruments.

Malgré cet esprit de communion présent sur scène, Patrick Watson ne fait guère preuve d’ignorance avec son public. Entre les chansons, il lance quelques gags plus ou moins compréhensibles à cause d’un français qu’il ne maîtrise pas totalement. Toutefois, le petit rire espiègle qui les accompagne fait sourire à tous coups.

Une scène extérieure n’est cependant pas l’endroit le plus favorable pour l’ambiance intime qu’impose la musique de Patrick Watson. La qualité du son finissait par se perdre dans le néant au lieu de résonner. De plus, la clarté du jour brisait l’atmosphère musicale.

Cette intimité, Watson l’a merveilleusement reproduit lors de sa dernière prestation. Debout sur le piédestal de la foule, l’artiste a chanté a capella, les mains placées de chaque côté de sa bouche afin de projeter sa voix le plus loin possible. Le public a étonnamment instauré un silence attentionné.

Même si Patrick Watson est familier avec les petites salles, l’espace étendue devant laquelle il s’est présenté ne l’a pas empêché de transporter son public avec ses mélodies planantes.

Si vous croyez en une cause…

2007-07-10T18:46:00.000-04:00

La nouvelle maison de disques sherbrookoise 9.12 Records lançait au printemps dernier la complication If you believe, une trame sonore possédant à la fois de bonnes intentions sociales et politiques, en présentant malheureusement son répertoire musical comme élément d’arrière-plan.

If you believe compilation vol.1 rassemble des artistes locaux et internationaux aux racines folkloriques contemporaines. La sélection des seize pièces de la trame sonore demeure douteuse. Le répertoire échappe à une efficacité musicale dans le sens où l’harmonie des chansons repose sur une monotonie qui frôle l’affaissement. De plus, la simplicité des ballades est fastidieuse à un point d’imposer un univers qui a tendance à sombrer peu à peu dans la mélancolie.

Malgré la redondance musicale de la compilation, quelques pièces sont orchestrées de manière envoûtante. L’ambiance instrumentale de Think over, interprétée par Apjiw, relève d’un enchantement expérimental nettement réussi. C’est toutefois l’œuvre de January, Fallen, qui charme avec une vulnérabilité vocale subjuguée par la douceur.

L’aspect « nouvel âge » de If you believe trahit l’accessibilité ainsi que la qualité commerciale de son répertoire. La trame sonore ambiante s’avère idéale pour les salons de soins esthétiques. Mention spéciale toutefois : pour chaque copie vendue, 9.12 Records versera 1,00 $ à War Child Canada.

Si vous tenez à militer pour la cause… et non pour la musique.

Un album qui ne singe sur personne

2007-07-10T18:35:00.000-04:00

À peine un an après le succès de leur premier opus Whatever people say I am, that’s what I’m not, les nouveaux enfants chéris de la scène musicale britannique, Arctic Monkeys, reviennent avec Favorite worst nightmare, un album qui exige une écoute rigoureuse afin d’apprécier le progrès musical du groupe.

La trame sonore est introduite par une cadence percussionniste bruyamment calculée. Même s’il paraît très semblable au son révélateur qu’avait été produit sur Whatever people say I am, that’s what I’m not, le rythme est accrocheur. Cette similitude agace lors des premières écoutes pour enfin faire réaliser qu’il s’agit de la griffe musicale du groupe.

En effet, Arctic Monkeys se révèle beaucoup plus mature sur ce nouvel opus, et ce, autant en ce qui concerne le lyrisme des textes que l’harmonie musicale. If you were there, beware impose un son assuré opposant l’aspect « garage » maladroit qui se trouvait révélateur et séduisant sur le précédant album.

Outre l’effort nécessaire pour apprécier le nouvel effort d’Arctic Monkeys, Favorite worst nightmare livre un répertoire plus posé. La sonorité plus pop laisse toutefois croire que la notoriété britannique du groupe ne lui suffit plus. Il reste à espérer que la soif du succès ne noie pas Arctic Monkeys dans des ballades vides et faciles.

Oui, je le veux

2007-05-31T14:54:00.000-04:00

Chaque fillette rêve, anticipe et planifie avec impatience et fantaisie le plus beau jour de sa vie : son mariage. Pour moi, la célébration eut lieu le 12 mai dernier, le concert d’Arcade Fire.

Faut croire que la troisième fois est toujours la bonne. Après avoir fait partie des malheureux à ne pas être en mesure de se procurer des billets au Théâtre St-Denis ainsi qu’à l’Ukranian Federation, je me suis retrouvée parmi les fortunés présents à l’Aréna Maurice-Richard.

Dans la salle, l’énergie était fébrile. Après la performance quelque peu douteuse du groupe invité, l’assistance patientait avec impétuosité les premières notes de la cérémonie. L’instant même où les douze apôtres ont fait leur entrée, les fidèles ont soudainement été possédés par les mélodies.

Le répertoire était parfaitement calculé. L’équilibre entre les chansons sélectionnées de Funeral et Neon Bible fut bien orchestré. Chaque pièce provoquait une ascension énergique sublime. La dernière partie musicale fut transcendante : Neighborhood #1 (Tunnels) a précédé Rebellion (Lies) puis Neighborhood #3 (Power Out).

La beauté du spectacle rayonnait toutefois autour de la présence angélique de Régine Chassagne. Son leadership relevait d’une subtilité théâtrale.

Pour conclure l’alliance musicale, le groupe répondit aux prières de son public et proclama les paroles soutenues par l’ensemble musical divin de Wake Up. À la sortie des lieux, la mélodie resta imprégnée au fond de chacun et l’on continuait à répandre de manière contagieuse les célestes « OoOoOh…».

La mauvaise odeur d’un best seller

2007-05-21T11:31:00.000-04:00

Après avoir visionné la bande-annonce du film Perfum : The Story of a Murderer, je me suis tout de suite procurée le roman, me fiant au dicton affirmant que le livre est toujours plus captivant que le film. Faut croire qu’il s’agit définitivement d’une simple rumeur…

Le Parfum décrit la vie de Jean-Baptiste Grenouille, un enfant bâtard, délaissé à la naissance par sa mère, dans les ordures de Paris. Au fil de son enfance, vagabondant de foyer en foyer, Grenouille prend conscience de son don inné : la perfection de son sens olfactif. Ainsi, il apprend à développer son talent de parfumeur pour créer le meilleur parfum, celui qui ensevelira tout sur son passage.

La faiblesse du roman de Patrick Süskind réside principalement dans la temporalité. L’auteur impose au lecteur l’évolution entière du protagoniste, soit celle d’une vie. Ainsi, des longueurs s’imposent et le lecteur attend avec impatience la troisième partie du récit, celle où l’on découvre véritablement LE personnage.

De plus, chaque personnage est introduit avec des descriptions interminables chargées de détails dont il aurait été préférable de supprimer. Cette redondance concerne principalement la conclusion des portraits de ces personnages : Süskind les peint jusqu’à leur mort. Ce dernier a également tendance à émettre les commentaires personnels du narrateur ou une remémoration des faits entre parenthèses : éléments qui brisent définitivement le rythme.

Malgré le fait que l’action se déroule au XVIII^e siècle, la critique sociale dernière le récit s’avère intemporelle. Des thèmes tels la valorisation matérielle, le pouvoir, l’acquisition affective ainsi que la jalousie sont transposés de manière subtile et poétique. De plus, les multiples descriptions du sens olfactif de Grenouille relèvent d’une beauté extrêmement simple.

Le Parfum représente le genre de roman accessible qui ne demande aucun degré supérieur de réflexion. Faut croire la qualité d’une œuvre littéraire ne doit pas être jugée selon son nombre de copies vendues… ou je ne fais tout simplement pas partie du public cible de la littérature commerciale.

Rencontre intimiste, portrait inédit : Karkwa

2007-04-29T16:05:00.000-04:00

Ce fut avec une humeur lourde d’épuisement que j’ai rejoint une assistance zen et intime, prête pour la performance de Karkwa, sous le toit du Téléphone Rouge, bar-spectacle situé sur la rue Wellington, à Sherbrooke.

J’entre dans le Téléphone Rouge, je prends place au coin gauche du comptoir, je lève la tête en direction de ma diagonale, vers la droite, Louis-Jean Cormier patiente, le temps de se commander un scotch.

Après un bon moment, il se rend sur la petite scène, s’assoit sous la douche lumineuse blanche, dans l’atmosphère rouge, et gratte quelques accords silencieux avec sa guitare acoustique. Le tout se déroule au cours des trois minutes et poussières de Float on de Modest Mouse. Le deuxième degré de la situation me bouleverse quelque peu.

Une heure plus tard, soit avec une heure de retard (quoi que le public en avait rien à foutre!), une fois la partie de babyfoot terminée, Cormier et ses acolytes se présentent sur la scène pour nous livrer une prestation puissante de La fuite. Ensuite, La marche nous transporte avec un clavier qui ensorcelle non seulement les adeptes musicaux présents, mais ses complices instrumentaux qui lui partagent la scène.

À la suite d’à peine six pièces, le groupe demande une pause : le temps d’un scotch.

Puis, ce fut un nouveau départ. La foule commençait à être bien chaude. Karkwa a fait la primeur de trois nouvelles chansons, des pièces beaucoup plus rock que celles offertes par la majorité de son répertoire musical.

Pour ce qui est du reste, je baigne dans la pureté sonore que produit les mélodies. Je vois à peine les musiciens en transe sur la scène. Peu importe, les textes souvent l’emportent. Je tends le regard vers la personne qui partage ma droite : un jeune homme à la coupe longueuil pré-pubère. Un sourire se dessine timidement sur mes lèvres.

En grande finale, Le coup d’état : la disjonction du clavier reprend de plus bel, cette fois-ci, en harmonie avec les guitares.

Après un rappel de deux pièces, le groupe rejoint son public, le buzz se dissipe légèrement, le temps de s’emparer de son manteau, de passer la sortie, d’échanger quelques brefs propos avec le claviériste, pour enfin se rendre à l’auto…

John Mayer : relève du blues

2007-04-26T11:21:00.000-04:00

C’est dans un Théâtre du Centre Bell presqu’à guichet fermé mercredi dernier, que John Mayer a livré un spectacle au cours duquel la guitare était reine.

Ne vous laissez pas influencer par son passé de « boy next door » et ne résumez surtout pas son répertoire musical à Your body is a wonderland. John Mayer a grandement évolué depuis son premier opus, Room for Squares, s’orientant ainsi vers ses racines musicales, celles du blues.

Ce retour aux sources, il le doit à la tournée Try!, une série de concerts au cours de laquelle il s’est lié avec des musiciens blues d’expérience, soient Steve Jordan et Pino Palladino.

Cette tournée a indéniablement fait mûrir Mayer musicalement. Sa présence sur scène baignait dans la simplicité et dans l’assurance. Cette atmosphère mettait définitivement l’accent sur la pureté de sa guitare. Les introductions acoustiques et électriques de ses chansons relevaient d’une clarté raisonnante. Il maîtrise sa guitare avec une aisance si subtile que l’on oublie totalement son groupe.

La sélection du répertoire musical fut toutefois décevante. Délaissant plusieurs chansons qui prouvent le prodigieux talent de guitariste que possède Mayer, ce dernier a préféré livrer ses succès commerciaux. Ainsi, les fans de la vedette pop furent ravis, mais ceux du bluesman furent laissés sur leur faim.

Ses prestations de Vultures, Belief ainsi que la finale de Gravity ont été mémorables. C’est toutefois I don’t need no doctor, une reprise de Ray Charles, accompagnée de cuivres, qui a été le moment révélateur de la soirée. Avec cette performance, Mayer a irrévocablement prouvé qu’il est un bluesman dans l’âme.

La notoriété de John Mayer le positionne pour rendre le blues accessible. Malgré son statut de pop star, il possède le talent inné d’un bon guitariste, puisque ce n’est pas n’importe quel musicien qui se fait inviter par des légendes du blues telles Clapton, BB King et Buddy Guy.

Of Montreal : in or out of tune?

2007-04-13T15:37:00.000-04:00

Ne vous faites pas de fausses illusions en croyant que Of Montreal est le nouveau groupe éclectique underground montréalais de l’heure. D’une part, la formation est originaire d’Athens, en Géorgie. D’autre part, elle est loin de mériter cette réputation.

Ce fut tout un périple de vous livrer une critique constructive : il y a trois semaines déjà que j’essaie de tendre une écoute attentive au huitième opus de la formation, Hissing fauna, are you the destroyer?, un titre tout aussi absurde que son contenu.

La nouvelle trame sonore du groupe est née d’une dépression obscure du leader, Kevin Barnes. Bien que les textes relèvent d’une fine plume, ils nous plongent avec acharnement dans un abîme où règne une solitude qui crie au désespoir. La pièce Cato as a pun représente définitivement le dernier pas avant de sombrer éternellement dans le gouffre.

Le calvaire d’une écoute de Hissing fauna, are you the destroyer? : résister à la voix discordante de Barnes. Ce dernier se promène maladroitement sur la portée atteignant ainsi des notes aigues propulsées dans tous les sens, sans aucune harmonie commune. Gronlandic edit et Faberge falls for Shuggie sont irritantes au point de faire fumer non seulement vos fusibles auditifs, mais ceux de votre lecteur CD.

Malgré la voix stridente, les arrangements musicaux sont tout à faits renversants. Of Montreal réussit avec une aisance stupéfiante de jouer avec ses influences musicales psychédéliques des années 60-70. Il parsème ces dernières de quelques tonalités disco pour enfin donner un son extrêmement travaillé, tournant autour d’un électro/funk complètement tordu digne de la indie-pop. Ainsi, les pièces Suffer for fashion, A sentence of sorts in Kongsvinger et The past is a grotesque animal représentent les facteurs importants de cette « révolution » sonore.

Of Montreal ne livre pas une musique accessible. Certains seront déstabilisés par le personnage extraverti de Barnes, d’autres risquent d’être instantanément agressés par l’harmonie criarde de l’album et d’autres découvriront un son novateur dans l’univers singulier qu’est l’électro. À vous de juger si vous êtes of ou off.

Rêver n’est pas qu’un jeu d’enfant

2007-03-30T12:52:00.000-04:00

Une fois de plus, Michel Gondry explore l’univers de l’inconscient avec son dernier long-métrage, The science of sleep. Après s’être penché sur la psychose du rêve dans Eternal sunshine of the spotless mind, voilà que le cinéaste replonge son public dans un voyage onirique avec ce film aux images si espiègles.

À la suite du décès de son père, Stéphane (Gael García Bernal), un artiste simple d’esprit, revient habiter temporairement sous le toit maternel. Il renoue alors avec le petit garçon qu’il était et tous les rêves qui l’accompagnaient. Stéphane fait également connaissance avec sa nouvelle voisine, Stéphanie (Charlotte Gainsbourg), une jeune fille brisée par une réalité morne et malveillante, à qui il tentera désespérément de faire retrouver le cœur d’enfant.

Gondry a véritablement le don de reproduire le caractère abstrait et surréaliste des pensées et des rêves de ses personnages. Avec The science of sleep, il exploite le thème dans son absurdité la plus simple. Les décors cartonnés, les effets visuels rudimentaires ainsi que la psychologie quelque peu arriérée des protagonistes relèvent d’un vrai spectacle de marionnettes, voire d’un flip book.

Ce qui fait de Michel Gondry un réalisateur admirable est sa façon de construire les histoires. Le montage est basé sur un procédé narratif d’une brillante précision. Il réussit à maintenir une continuité radieusement fluide, naviguant du rêve à la réalité. De plus, la trame sonore épouse harmonieusement le rythme avec ses mélodies sobres et sereines.

Fidèle à lui-même, Gael García Bernal interprète le personnage de Stéphane avec une justesse quasi-loufoque. Son jeu est si naïf que nous avons l’impression de suivre les aventures d’un jeune garçon de 11 ans. Cependant, Charlotte Gainsbourg est loin de surprendre. Elle ne semble pas avoir foi en son rôle, ce qui la mène à forcer sévèrement la note pour ainsi briser la magie féerique devant régner entre les deux tourtereaux du récit.

The science of sleep est un film qui demande incontestablement un deuxième degré de lecture. Il s’agit non seulement de plonger dans l’imaginaire enfantin, mais de saisir la critique sociale snob et égoïste qu’évoque Gondry. Même si le long-métrage est faible en ce qui a trait à sa profondeur, il reste efficace dans son discours. À tous les amateurs de bricolage, aux nostalgiques du premier coup de foudre ainsi qu’aux cinéphiles de surréalisme élémentaire.

Sweet dreams!

« This is noise »

2007-03-20T14:06:00.000-04:00

C’est ainsi que s’introduit The sufferer and the witness, un album qui fait du bruit, un bruit militant, un bruit poignant. Avec ce quatrième opus, le groupe américain Rise Against, malgré leur éminente modestie, s’inscrit comme un des leaders importants du mouvement musical punk.

Pour être franche, j’ai renié Rise Against en automne 2005, alors que Swing life away envahissait les ondes radiophoniques, jugeant la formation de « vendue ». Je suis finalement restée complètement bouche bée, un an plus tard, par l’humilité renversante du chanteur du groupe, Tim McIlrach, alors qu’il donnait un discours sur le régime politique américain et discutait de sa notoriété.

The sufferer and the witness représente le punk dans son état pur, générant un son beaucoup plus mature, sans tonalités maladroites typiques au style « garage ». Les racines du groupe sont présentes dans plusieurs pièces dont Chamber the cartridge avec les fameux « OoOoOh! » propre à Pennywise.

Le groupe ne prend pas son rôle militariste à la légère et signe des textes engagés dont l’incontournable simple Prayer of the refugee. Sans tenter de forcer la note afin de révolutionner le mouvement avec un son nouveau, Rise Against laisse la guitare envahir son répertoire avec des accords simples provoqués par des riffs ravageurs.

La voix rauque parfois criarde, parfois douce de McIlrach est poignante. Avec The approaching curve et Roadside, le chanteur a marié avec finesse son arrangement vocal avec une voix féminine pour ainsi produire une harmonie surprenante, voire choquante.

Avec The sufferer and the witness, Rise Against s’élève contre l’exploitation animale et environnementale, s’élève contre une société indifférente à la condition humaine, s’élève contre la commercialisation et s’élève enfin pour l’amour du punk.

Une torture pianistique

2007-03-14T16:09:00.000-04:00

L’écrivaine allemande Elfriede Jelinek est reconnue pour sa plume crue et poétique. Son premier roman traduit de l’allemand au français, La Pianiste, n’est pas une exception. Considérée comme une œuvre semi-biographique, il s’agit d’une littérature exemplaire en ce qui a trait à la romance de l’autoportrait.

Jelinek livre l’existence troublée d’une pianiste de 36 ans, Erica Kohut, vivant toujours sous le toit maternel. Cette dernière se procure des vêtements griffés, fréquente régulièrement les peep-shows et espionne les fornications des amants du Prater pour ainsi échapper à l’emprise de sa vieille mère. C’est auprès d’un de ses apprentis, au Conservatoire de Vienne, que l’honorable professeur de piano tentera d’échapper à ses pulsions sexuelles incontrôlables. Tombée sous le charme du séduisant et talentueux Walter Klemmer, Erica perdra toute maîtrise d’elle-même pour enfin atteindre une rébellion dérangeante, voire masochiste.

La Pianiste est un roman dans lequel le lyrisme orchestre avec finesse le parallèle du courant classique de la musique vénéré par Schubert et le désir sexuel abject de Kohut. Ces métaphores nous livrent non seulement des exposés fascinants sur un domaine préjugé, mais nous déstabilisent dans la présentation de la déviance mentale du professeur de piano.

La psychologie des personnages, principalement la mère Kohut ainsi que sa fille, est si bien recherchée que Jelinek nous fait subir l’univers dérangeant dans lequel ils sont victimes, des victimes doloristes. Le portrait brossé de l’appartement des deux femmes est remarquable au point de créer une atmosphère franchement troublante.

Les descriptions évoquant l’enfance d’Erica, citées au début du roman, s’avèrent toutefois épuisement interminables. Elles n’aident aucunement à la progression du récit et ne font que diminuer considérablement l’intérêt et l’attention du lecteur.

Malgré la douceur lyrique de son écriture, Elfriede Jelinek est une auteure exigeante envers son lecteur. Son authenticité littéraire demande beaucoup de concentration. Elle rejoint ainsi un public indifférent au caractère passif de la détente, prenant plaisir à la torture cérébrale.

Prions ensemble

2007-03-12T12:49:00.000-04:00

La trame sonore tant attendue des adeptes du groupe culte montréalais Arcade Fire est enfin disponible. Titre inspiré d’un roman de l’auteur américain John Kennedy Toole et enregistré dans une ancienne église à Farnham, en Estrie, Neon Bible marque l’ascension d’une nouvelle religion.

Arcade Fire réussira à convertir de nouveaux fidèles avec ce nouvel opus. Le groupe a développé une sonorité beaucoup plus mature. Parmi l’ensemble de leurs instruments, aucun n’occupe un poste de direction. Il s’agit indéniablement d’un orchestre. Arcade Fire a misé sur la modernisation d’un son produit par des instruments traditionnels et l’intention a été exploitée avec brio.

Les cordes sont également beaucoup plus présentes sur Neon Bible, donnant ainsi un son folklorique. L’orgue provoque cependant un univers en soi. L’instrument pieux saura vous déstabiliser dès les premières notes d’Intervention et vous transportera vers les cieux au cours de My body is a cage. La cadence pianistique de Black mirror relève aussi d’une précision mélodieuse.

Même si les textes s’avèrent moins sombres et moins profonds, les voix sont plus harmonieuses. Butler chante sur un timbre plus sobre et naturel. Pour sa part, Chassagne a vigoureusement travaillé son arrangement vocal, lequel semblait perdu parmi la portée sur Funeral, est tout à fait angélique sur Neon Bible.

Malheureusement, Arcade Fire a laissé tomber le bilinguisme. Ainsi, Neon Bible n’offre aucune chanson en français.

Difficile était d’avoir foi en un meilleur album que Funeral. Honte à tous les Thomas d’entre vous, puisque Neon Bible est un amalgame de mélodies divines.

Amen.

Un amour mortel excessif

2007-03-12T08:50:00.000-04:00

Dans le cadre de la 25e édition des Rendez-vous du cinéma québécois, je me suis présentée à la projection de La Belle Bête, un long-métrage dérangeant de Karim Hussain.

D’après le roman de Marie-Claire Blais, La Belle Bête adapte à l’écran le portrait troublant d’une famille aux penchants incestueux. Une mère, Louise (Carole Laure), en adoration devant la beauté angélique et innocente de son fils Patrice (Marc-André Grondin) rejette sa fille Isabelle-Marie (Caroline Dhavernas), dont elle répugne le physique. Cette dernière jalouse l’intimité que son petit frère partage avec sa mère au point de lui affliger des violences martyres.

La Belle Bête se classe inévitablement dans le cinéma de genre. Une fois de plus, Hussain fait évoluer ses personnages dans un environnement surréaliste et onirique, un univers cependant mal exploité, voire excessif.

Avare en dialogues, le scénario signé Julien Fronfrède (également producteur) Hussain et Blais provoque chez ses acteurs une mise en scène quasi-théâtrale. Les personnages adoptent ainsi un accent français maladroit qui frôle le ridicule.

Non seulement le jeu semble forcé, mais la direction photo produit un climat constamment instable. Le montage n’invoque aucun prolongement entre la luminosité des scènes extérieures et à la fadeur des images intérieures. Cette discontinuité n’améliore en rien le rythme décousu de l’histoire causé par une intemporalité ratée.

L’humour ironique et cynique du film est toutefois divertissant. Notons le personnage totalement exagéré de Lanz (David La Haye). Les scènes d’inceste sont également d’une beauté romantique.

La Belle Bête est une œuvre d’un genre qui se fait rare dans le répertoire cinématographique québécois. Malgré ses intentions, Hussain perd son public avec des images beaucoup trop chargées, un abus révélant une importante lacune en ce qui a trait à la recherche.

Une revanche perverse

2007-03-01T13:35:00.000-05:00

Avec son album éponyme, le nouveau duo californien She Wants Revenge livre un testament de haine crue dédié à toutes ses maîtresses. Le premier simple, Tear you apart, risque de vous faire vibrer, vibrer de perversion.

La voix de Justin Warfield vous transportera dans un univers mélodieux, semblable à celui d’Interpol, tout en brisant l’harmonie avec un son beaucoup plus électronique, ponctué de tonalités arides.

Malgré la présence notoire du synthétiseur, ce sont la guitare, particulièrement la bass, et la batterie qui gèrent la cadence musicale. La chanson Sister démontre à quel point le rythme des deux instruments relève d’un calcul irrépressible. Certaines pièces dont Monologue réfèrent à la naissance du mouvement électro du début des années 80, présent dans les clubs avant-gardistes de Soho.

Le groupe ne fait également preuve d’aucune subtilité. Quelques chansons, dont le dernier simple These things, sauront vous secouer avec leurs paroles à caractère sexuel, loin de demander un deuxième niveau de lecture.

Le répertoire de She Wants Revenge compte toutefois une faiblesse : Disconnect. Faut croire que, malgré la précision mélodique du duo, l’absence de voix déstabilise totalement leur son. Composée de faibles accords, cette pièce instrumentale prouve l’indispensabilité d’un arrangement vocal.

Avis à la gente féminine : barrez toujours le loquet de votre salle de bain, de peur que vos ébats intimes se retrouve sur une trame sonore…

La déception d’un son

2007-03-01T08:48:00.000-05:00

Le groupe suédois The Sounds a récemment lancé son deuxième album Dying to say this to you. C’est après avoir été séduite par le vidéoclip du premier simple électrisant Painted by numbers que je me suis ruée sur ce nouvel opus.

Avec Dying to say this to you, The Sounds a tenté d’évoluer avec un son beaucoup plus électro que son album précédent, Living in America. L’intention se fait sentir, mais les efforts sont voués à l’échec.

En effet, la guitare abandonne son poste de chef d’orchestre pour céder au clavier la charge de la direction mélodique. Ce relais a pour conséquent un recueil de notes faciles qui mène à une pop beaucoup moins recherchée, frôlant parfois le kitsch.

Dans ce sens, Tony beat est tout à fait énervante, voire insupportable. Night after night s’avère le pire choix musical du répertoire : la pièce fait gravement douter le talent d’Ivarsson pour le chant. Quelques simples accords au piano accompagnent la voix de la sexy Suédoise, laquelle ne semble pas apte à tenir une note correctement, forçant sa voix dans une clé totalement irritante. C’est cependant avec Hurt you que The Sounds tombe dans le ridicule alors qu’Ivarsson partage son micro avec un de ses musiciens pour ainsi produire une influence pathétique de Depeche Mode.

Dying to say this to you n’est toutefois pas une défaite absolue pour le groupe dans la pop électro. La mélodie de Painted by numbers nous accroche dès ses premières notes. Le court duo musical que forme la batterie dirigée par le synthétiseur relève d’une transe harmonieuse. La voix parfois rauque, parfois féminine de Maja Ivarsson au cours de Song with a mission, Queen of apology et Ego, ne fait que nous séduire.

Enfin, ce n’est pas avec une direction photo électrique, une chanteuse au sex-appeal affriolant et une pochette aguichante que le groupe atteindra THE sound.

California, now they’re gone!

2007-02-23T09:31:00.000-05:00

Ils ont désormais quitté nos écrans ces personnages, ma foi si superficiels, dont je ne pouvais me séparer chaque semaine, et ce, depuis quatre ans. En effet, c’est hier, 21 h, sur les ondes du réseau américain FOX, que la célèbre télésérie The O.C. diffusait ses soixante dernières minutes.

Faut croire que son créateur, Josh Schwartz, avait une dent contre le réseau alors que le personnage de Summer (Rachel Bilson) critiquait dans une scène : « These teen TV shows never end! ».

L’épisode n’a été que prévisible. Il était également beaucoup trop chargé : mariages, déménagement, nouvelle entrée sur le marché du travail et tout le tralala. Schwartz n’a laissé aucune place à l’imaginaire du téléspectateur : il lui a tout balancé, et ce, en moins de dix minutes.

Que de soulagement toutefois, au cours de la dernière scène de l’émission, alors que le plus beau plan de la série a été réinsérer au montage, plan tourné lors de la première saison, alors que la silhouette de Marissa (Mischa Barton) se dessine à contre-jour d'un couché de soleil sublime. Schwartz n’avait d’autre choix que de ramener l’âme de ce personnage au cours de ce dernier épisode : après tout, la série lui doit bien son succès.

R.I.P. Orange County… and thank God we still have One Tree Hill!

L’art de vivre

2007-02-22T08:41:00.000-05:00

Siri Hustvedt a longtemps vécu dans l’ombre de son époux, le célèbre auteur Paul Auster. Son quatrième roman, Tout ce que j’aimais, devrait la dissocier de l’image de son autre moitié, pour enfin réclamer une notoriété qui lui est propre.

Développé sur une trentaine d’années, soit de 1970 à 2000, le récit met en scène Leo, un professeur d’histoire de l’art, sa femme Erica, un professeur d’anglais, Bill, un artiste peintre ainsi que Violet, une écrivaine, à la fois muse et compagne de ce dernier. Habitant dans un quartier huppé de New York, les deux couples d’artistes évoluent à travers leurs passions, le succès, l’art d’être parent, le deuil, le désir, le mensonge ainsi que la vieillesse.

Tout ce que j’aimais évoque le cycle d’une vie dont le fondement repose essentiellement sur un protagoniste plus ou moins métaphorique : l’art. En effet, l’histoire suit son cours en parallèle à l’évolution de l’œuvre du personnage de Bill. Le décès de ce dernier repr ésente un pilier fondamental alors que le rythme du récit est drastiquement brisé et que la psychologie des personnages se trouve déstabilisée.

Il s’agit d’un lourd roman au cours duquel d’élégantes descriptions et mises en situation nous donnent l’impression de mener vers le néant, outre nourrir notre amour pour l’histoire de l’art. C’est au moment de la perte du petit Matthew, le fils de Leo et d’Erica, que l’on réalise la subtilité ainsi que la finesse de l’écriture d’Hustvedt; à quel point le déroulement des péripéties est brillamment orchestré.

Les portraits qu’elle dresse sont d’une importante complexité. La recherche et l’analyse susceptibles à la conception de l’œuvre reflètent un travail extrêmement pointu. L’auteure réussit à créer un environnement social si près de la perfection que l’on baigne constamment dans l’angoisse de chacun de ses acteurs, et ce, jusqu'à la 453e page.

Le roman d’Hustvedt laisse également beaucoup de place au lecteur. Les tableaux que l’écrivaine peint de l’état des personnages nous portent à réfléchir sur des thèmes traversés par le narrateur, Leo, soient de l’amitié à l’envie, puis de la perte à la trahison pour enfin accéder à l’espoir.

Tout ce que j’aimais parvient, à travers le portrait d’un être à la fois solitaire et généreux, à nous faire reconsidérer notre art d’aimer, notre art de vivre.

À 40 ans, on fête en grand!

2007-02-20T08:59:00.000-05:00

C’est au cours de la semaine du 8 au 17 février que le légendaire Caf é Campus célébrait son 40e anniversaire. Ses adeptes étaient au rendez-vous et ses invités ne se sont certainement pas fait prier.

Avec Marco Calliari comme porte-parole, le Café Campus respectait ses soirées thématiques avec en prestation des artistes qui ont connu, jadis, les veillées endiablées de la place, soient Planet Smashers, Raoul Duguay, Fred Fortin, Plaster, Xavier Caféïne, Malajube et bien d’autres.

Ayant eu ma part de soirées débauchées à l’intérieur de ses murs moisis par la sueur des corps dansants sur un plancher souillé par la bière, je me devais de souhaiter bonne fête au Campus. J’ai ainsi été voir le spectacle à guichet fermé de Xavier Caféïne et Malajube.

Caféïne, fidèle à sa réputation de bête de scène, n’a pas fait de déçus. Malgré une extinction de voix, il a su faire lever la foule. Ses déhanchements excentriques vibraient au rythme électrisant de son ensemble musical. La chimie ardente présente au sein du chanteur et de ses musiciens était contagieuse. Avec OK!, Montréal (cette ville) ainsi que Gisèle, Caféïne et ses acolytes savaient maintenir l’énergie. Toutefois, le public a ét é avare en longévité d’applaudissements et un rappel provoqué par un membre de la troupe Caféïne s’est avéré plutôt pathétique.

C’était une cinquième rencontre en moins d’un an pour Malajube et moi et notre histoire tire désormais sur sa fin. Faut croire que le succès monte définitivement à la tête de ces cinq musiciens, tout aussi déconnectés que présomptueux, qui n’ont dorénavant plus de raisons de prôner les valeurs de la scène musicale underground.

Une fois de plus, nous nous trouvions dans l’impossibilité de bien distinguer la voix du chanteur. Le public pouvait l’accompagner que s’il connaissait sur le bout des doigts le répertoire lyrique du groupe. La prétention de Mineau a définitivement trahie l’authenticité de son talent. Les arrangements musicaux lui ont toutefois rendu justice. À vrai dire, c’est en détournant mon regard de la scène que j’arrivais à pénétrer dans la transe ravageuse que sait si bien provoquer Malajube.

Le groupe a également prouvé son goût pour le risque. La formation a lancé le bal avec l’enchanteresse Monogamie. Ils ont ensuite enchaîné avec Montréal -40 ˚C puis Pâte Filo. Malgré cette sélection audacieuse, Malajube a su maintenir ses adeptes dans son univers musical chaotique.

Dumas et sa perpétuelle lutte contre le temps

2007-02-20T08:55:00.000-05:00

Le nouvel enfant chéri de l’industrie musicale québécoise, Dumas, a récemment lancé son troisième album, Fixer le temps. Presque quatre ans après l’envoûtant Le cours des jours, il nous présente enfin du nouveau matériel, un projet qui n’arrive malheureusement pas à la hauteur du précédent album.

En effet, le guitariste au rythme mélancolique reste fidèle à son image de romantique timide et blessé ainsi qu’à ses mélodies simples et harmonieuses. Malgré l’acquit d’une grande maturité, Dumas ne réussit pas à se réinventer. Au fil d’un répertoire éprouvant une faible défaillance en termes de variété, on le sent plus en confiance, mais plusieurs notes restent prévisibles.

C’est à ma grande tristesse qu’il laisse tomber les belles métaphores sensuelles et nostalgiques pour des textes beaucoup moins recherchés. Il réussit toutefois à nous séduire avec De station en station ainsi que Les secrets, des pièces joliment orchestrées « à la Dumas », une recette dans laquelle il marie finement le plus bel instrument de son assortiment musical, sa voix, avec la délicatesse de sa guitare.

Après nous avoir fait baigner dans l’univers cyclique du Cours des jours, l’artiste continue de nous livrer son obsession spatio-temporelle. Ce dernier nous présente ainsi La vie qui bat, La ville s’éveille, Au gré des saisons (le premier simple), De station en station, des pièces qui reflètent son esprit bohème et lyrique.

Est-ce que Steve Dumas réussit à fixer le temps? Il s’agit d’une lutte acharnée au cours de laquelle il devra vaincre ses démons du présent afin de retrouver ses racines du passé pour ainsi se renouveler dans l’avenir.

Xavier Caféïne voit noir

2007-02-20T08:53:00.000-05:00

Xavier Caféïne présente enfin son projet solo, Gisèle, un premier disque se voulant une critique sociale obscure. Fidèle à la tendance des jeunes artistes émergents de la belle province, Caféïne s’inspire de la métropole pour évoquer son mal d’amour. Malajube a utilisé la métaphore avec Montréal -40 °C. De son côté, Xavier Caféïne le fait avec Montréal (cette ville), son premier simple, une chanson au rythme accrocheur nettement représentative de la bonne pop rock québécoise.

Au fil de son registre, Caféïne cri haine et amour à celle dont il a offert son cœur, ridiculise la bourgeoisie contemporaine soi disant environnementaliste et blâme notre société de consommation pro-américaine. Il prêche son discours derrière son alter ego : l’oiseau noir. En effet, il s’agit d’un Xavier Caféïne beaucoup plus engagé et malgré la facilite de certains textes, réussit à nous porter avec des mélodies poignantes.

Après avoir fait une première tentative au sein du groupe Caféïne à la fin des années 90, puis une seconde en tant que leader de la formation anglophone Poxy, l’artiste aux penchants excentriques prend avec assurance les commandes de ce premier album. Sur ce dernier, il prouve sa polyvalence musicale en jouant la majorité des instruments. Avec Gisèle, Caféïne nous convainc qu’il est un artiste indépendant qui s’auto-suffit amplement.

Wolfmother ou l’art de s’ennuyer de Jack White

2007-02-20T08:47:00.000-05:00

Sorti tout droit d’une meute australienne, le trio Wolfmother vient ravager la scène musicale américaine en criant gare au loup. Les moutons qui figurent au sommet des palmarès et qui nous cassent les oreilles sur les ondes radiophoniques et télévisuelles ont de quoi bêler.

Étais-je l’unique nostalgique? La dernière vague de bon rock indie aux mélodies ravageuses de guitares date de 2001-2002. Cette dernière, nous l’avons connue avec The White Stripes, The Hives, The Strokes et tous ces groupes qui sont restés fidèles à l’article The, inspirés du bon vieux punk british de la fin des années 70.

Cinq ans plus tard, la tendance est au mouvement récemment baptisé emo (du terme anglais emotion). Ce dernier vante la montée du punk rock (ou plutôt pop punk), mais ne réussit qu’à pleurer ses misérables sentiments avec des riffs de guitare tout aussi similaires qu’ennuyeux. Pensons entre autres à 30 Seconds to Mars, Panic! At the Disco et My Chemical Romance. Même Fall Out Boy (malgré tout le respect que j’éprouve à l’égard de Pete Wentz) et le groupe canadien Three Days Grace se sont joints au troupeau en arborant la marque de commerce du courant : le fameux eye liner.

Heureusement, Wolfmother, avec son premier album éponyme, sait nous garder fervent du punk rock contemporain, celui du nouveau millénaire. Et détrompez-vous, ce n’est pas seulement la pochette qui fait toute la beauté de cette nouvelle formation.

La voix criarde d’Andrew Stockdale nous rappelle celle du vénérable Jack White. Les premières notes de The apple tree sauront vous convaincre. Même les riffs du refrain de Tales nous font penser à Ball and biscuit. Toutefois, c’est la chimie provoquée par une guitare ravageuse et une batterie impérative qui oriente le fil conducteur de chaque mélodie. Les changements de tons musicaux sont d’une imprévisibilité prête à vous déstabiliser. L’absence de la voix à la fin de White unicorn nous fait découvrir la démence d’un synthétiseur qui nous transcende pour toute la durée de la trame sonore. Enfin, l’audacieux emploi d’un instrument à vent dans Witchcraft vous ensorcellera.

C’est avec brio que Wolfmother se présente au devant d’une relève qui nous fait revivre le punk rock criard et poignant restant fidèle à ses racines garage. Ce nouveau son vous fera renier votre poste de bon berger pour ainsi laisser dévorer vos petits protégés. Ou peut-être rejoindrez-vous le cercle des louveteaux...